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Después de romperla con PAPOTA (que les dio Grammy y cinco Latin Grammys en un año), los dos locos más impredecibles de Argentina anuncian la gira FREE SPIRITS para 2026 y viene con todo: Norteamérica, Europa, Reino Unido y una segunda vuelta por Latinoamérica. Promovida por Live Nation, van a tocar en recintos de otro nivel como Red Rocks, Radio City Music Hall, The Greek Theatre, O2 Academy Brixton y Movistar Arena en Madrid. Ahora están jugando en la liga grande. El show va a ser la evolución natural de su caos controlado: más grande, más afilado, más emocional, pero sin perder ese humor negro, esa volatilidad y esa musicalidad que los hace únicos. Trap, rock, pop y performance art todo mezclado en un espectáculo que nadie más sabe hacer como ellos. El álbum FREE SPIRITS viene con un cortometraje donde Sting los mete a un retiro holístico ficticio (sí, Sting) para disolver el ego, hacer el ridículo y salir más claros. Con invitados como Jack Black, Fred Again y Anderson .Paak, el concepto ya promete que el disco va a ser tan absurdo como profundo. Fechas en México: 31 julio – Monterrey, Auditorio Banamex 2 agosto – Guadalajara, Auditorio Telmex 4 agosto – Querétaro, Auditorio Josefa Ortiz 6 agosto – CDMX, Palacio de los Deportes 9 agosto – Puebla, Auditorio GNP Seguros 12 agosto – Mérida, Foro GNP Seguros Preventa Banamex: 26 de marzo a las 11:00 a.m. Venta general: 27 de marzo a las 11:00 a.m. Boletos en ca7rielpacoamoroso.com También hay paquetes VIP (acceso prioritario, merch exclusivo, entrada anticipada, etc.) en vipnation.com Estos dos se conocieron en la primaria, tocaron rock progresivo juntos, se volvieron virales con trap y ahora están de gira mundial después de Coachella, Lollapalooza, Glastonbury y Fallon. Es el dúo más original que ha salido de Argentina en mucho tiempo y México les tiene cariño especial. Prepárate para ver un show que va a ser comentado por meses.

Después de veinte años de carrera y seis discos, Franco Genel (Tino El Pingüino) ya no necesitaba demostrar nada. Fue uno de los más finos escribiendo desde el caos, una voz de su generación sin buscarlo. pero un día, el ruido dejó de hacer eco. Algo se quebró por dentro. No fue un colapso, fue un símbolo: un Kaomoji. Una traición, un espejo, una grieta emocional disfrazada de ícono digital. Tino entendió que para evolucionar no bastaba con rapear lo más complejo. Había que deshacerse de lo que ya no era. Así nació “Kaomojis” : no como disco, sino como síntoma. Una reinvención emocional que cruza amor y desamor, ego y derrumbe, fronteo y vulnerabilidad. Hoy no es otro Tino. Es el mismo, pero en otra frecuencia. Más alta. Más íntima. Más brutal. Más poderosa. De este próximo disco, que verá la luz en el mes de mayo, se desprende el primer single,  "Kaomojis con Ojos de Relojes de Arena". Para presentar oficialmente Kaomojis y  su primer adelanto, "Kaomojis con Ojos de Relojes de Arena" , Tino realizó un evento en la Friki Plaza en Ciudad de México. La dinámica fue tipo encuentro con fans, incluyendo conferencia de prensa, sesión de preguntas y respuestas, estreno del primer videoclip y contenido Behind The Scenes, todo en un formato cercano y accesible (entrada libre) para dar la bienvenida a una nueva etapa del proyecto de la mano de More Juice Records y Forastero Shows & Media. El próximo 25 de julio, Tino el Pingüino se presentará junto a Simpson Ahuevo, Robot 95, Go Golden Junk, Lucho SSJ y Los Muchachos en More Juice Fest, en el Pepsi Center de Ciudad de México. Los boletos ya están disponibles en Ticketmaster.

Este viernes 27 de marzo, Guadalajara vivirá una noche especial con dos propuestas clave de la escena latinoamericana actual. Por un lado, Santiago Motorizado, líder de El Mató a un Policía Motorizado, llegará a C3 Stage con un show que recorre su etapa solista, marcada por una carga emocional más íntima, así como canciones que lo han consolidado como una de las voces más influyentes del indie argentino en los últimos años. Los boletos para Santiago Motorizado continúan disponibles a través de Ticketnow México y taquilla de C3 Stage. En paralelo, Jaze, uno de los nombres emergentes más sólidos del hip hop y la música alternativa en Latinoamérica, se presentará en C3 Rooftop con un show completamente agotado, confirmando su crecimiento y conexión con nuevas audiencias.  Dos escenarios, dos generaciones y una misma ciudad: Guadalajara como epicentro de la música en vivo este fin de semana. Presentados por Grupo C3

Olas al Azar, proyecto de Brandon Salazar, regresa tras un breve hiato con nueva música. “Primavera” , primer capítulo de su próximo EP, a estrenarse este junio, vislumbra entre los pasos del indie pop el florecimiento del músico mexicano: un acto confesionario, de amor y valentía, que honra su propio despertar. Originario del sur de la Ciudad de México, comenzó su proyecto como una exploración entre las diferentes facetas de la música independiente: sesionista, compositor e ingeniero, Olas Al Azar comprende la música desde una perspectiva multicolor, sin límites, dispuesto a la ruptura con curiosidad. Así es como nace “Primavera” , un sencillo que explora la identidad desde la fluidez y la vulnerabilidad. Acepta el cambio desde el miedo, más no como limitante, sino como un motor hacia una libertad deseada; es la misma confusión tras el derrumbe y el autoconocimiento, el punto de partida para volver a florecer, la misma necesidad de ser uno mismo. Por un lado hielo y fragilidad, que abraza con empatía y calidez, a una flor naciente en primavera. Este tema es, además, es un retrato sobre “salir del clóset”, más que ser una experiencia para otros, se convierte en el entendimiento de lo que somos, mientras rompemos las expectativas del mundo, soltamos nuestro propio pasado, para enfrentarnos a lo que buscamos: “Primavera” nos invita a habitar el deseo y la emoción desde la honestidad. No importa qué tan duro sea el invierno, volverás a florecer. Una canción de indie pop se convierte en refugio y lugar común para todos aquellos que buscamos sincerarnos en la realidad, movimiento y fuego a compases de sintetizadores que le ponen música de fondo a nuestra sombra: ahora más colorida que nunca. Olas Al Azar es un artista queer en busca de representarse a sí mismo desde la música, en medio de sus representaciones audiovisuales. Tal como ha sido su camino como activista en redes sociales, acompañando a otrxs en su propio descubrimiento, del mundo, de sí, para florecer juntos como la “Primavera” . Disfruta de sus próximos lanzamientos: cuatro canciones que reunirán el primer EP del despertar de Olas Al Azar, disponibles cada mes, hasta su lanzamiento en junio.

Foto: Sol Talamantes La Nube en el Jardín es de esas cosas que te obligan a sentarte y callarte la boca 54 minutos seguidos. Lo escuchamos completo de corrido como debe ser: sin pausas, sin skips, sin checar el celular cada dos minutos. Es un viaje que empieza suave y termina dejándote con la sensación de que alguien te abrazó fuerte y luego te soltó en medio del desierto. Lanzado el 8 de noviembre de 2024, "La Nube en el Jardín" es el cuarto álbum de estudio del chihuahuense Eduardo Hernández Saucedo a.k.a. Ed Maverick. Este trabajo marca un regreso más honesto tras años de silencio, retiro temporal y una evolución emocional profunda. Rompiendo con el formato tradicional del streaming (canciones cortas y skips fáciles), el álbum se presentó como una sola pista continua de 53 minutos y 49 segundos, dividida internamente en 12 canciones + un bonus track (aunque en plataformas como Spotify/Apple Music ya se encuentra divido para facilitar la navegación) pero en vinilo y en su sitio oficial es ininterrumpido., invitando a una escucha atenta y sin interrupciones. 1. Valor de más (0:30) 2. Nube gris (4:52) 3. Culpa (7:44) 4. Violento (11:48) 5. Vuelve, corazón (16:30) 6. C (20:43) 7. Arcoiris (25:00) 8. No hay problema (30:07) 9. Nadie va a pensar en ti mejor que yo (35:13) 10. Loop (41:03) 11. Tiempo (44:35) 12. Sueños (cierre, bonus en algunas ediciones) Casi todo esta hecho por Ed mismo (grabación, voz, guitarra acústica principal), con toques psicodélicos sutiles, arreglos minimalistas y atmósfera natural con sonidos de hojas, viento, que dan un ambiente que parecen sacados de un verdadero jardín. La nube en el jardín es un relato lineal de amor, desamor, culpa, pérdida, aceptación y despedida, narra un ciclo emocional: una euforia inicial, conflicto, nostalgia y cierre sereno. Muchos lo llaman magnífico y una de las mejores producciones de folk psicodélico mexicano reciente, también lo comparan con Dave Bixby o Adrianne Lenker por sus arpegios delicados y honestidad brutal. En Album of the Year y reseñas independientes: "Obscenamente bueno", "devastador en la pérdida", "rebeldía contra el consumo rápido del streaming". Foto: Sol Talamantes Ed Maverick habla de separarse del "concepto" que la gente tiene de él: "Logré separar quién soy yo de la idea de que alguien que escucha mis canciones pueda tener de mí" . E n su reciente gira anunciada por la republica mexicana y documental en Sala Nezahualcóyotl: "Todo lo que rodeó a esta experiencia es algo que nunca había vivido" . Describe catarsis en escenario, ansiedad previa y conexión con fans que corean todo, es un regreso a raíces con guitarra y voz simple, pero con madurez ganada. Si es tu primera vez con La nube en el jardín , o ¿por que no? tu milésima repetición, te recomendamos escucharlo en la noche, con audífonos y luces apagadas para sentirte en el ambiente, así como en sus conciertos en vivo, donde Ed Maverick crea una atmósfera para hacer un encuentro más intimo, sientas las canciones, pienses en gente que ya no está y en decisiones que tomaste porque eran fáciles y no porque fueran correctas.

Jota Moore inició una nueva etapa como artista solista, productor y compositor con su primer sencillo “the few” . Desde la independencia, construye un universo sonoro propio donde el rock y el hip hop se encuentran con una estética emocional rebelde y cinematográfica. “El y ella” es el segundo sencillo de  Autosabotaje , un álbum conceptual que explora la disciplina extrema, la presión interna y los mecanismos de autodestrucción que nacen del intento por volverte más fuerte.  Este nuevo sencillo cuenta la historia de una pareja  que se identifica con los personajes de Bonnie y Clyde , en ese sentido.   “Me pareció un perfecto segundo sencillo por las situaciones de vida que he estado viviendo,” explica Jota.  “Hablo de una pareja que se impulsa a cumplir los objetivos y sueños sin importar lo que este pasando…. Ellos sienten que nada los podría vencer.” Esta canción nació en el  estudio casero de Jota, con todos los instrumentos grabados por él mismo.  “Es difícil catalogar que genero es, ya que yo solo hago música con sonidos que me agradan,” explica. “No estoy casado ni encasillado con ningún tipo de ‘género’, es más una historia con muchos colores que yo escogí.” La música de Jota Moore explora la presión, la rebeldía, el amor y la transformación personal, convirtiendo cada lanzamiento en un capítulo de una narrativa más grande: evolución constante, identidad y crecimiento artístico.

Foto: Jose Angel - @joseangelqn Hay canciones que atraviesan generaciones y reaparecen cuando menos se espera. Con una interpretación delicada y profundamente emocional, Cancamusa presenta su versión de “Entre mis recuerdos” , el clásico compuesto por Albert Hammond que alcanzó enorme popularidad en el mundo hispanohablante gracias a la voz de Luz Casal . En esta nueva lectura, la artista chilena transforma la canción en un paisaje sonoro íntimo y contemporáneo, donde la nostalgia y la memoria se despliegan con una sensibilidad renovada. EL POR QUÉ DE LA VERSIÓN “Cuando era niña la escuchaba mucho en la radio. No entendía todo lo que decía, pero ya conectaba con esa nostalgia tan profunda y con la calidez de su voz. Era una canción que me hacía sentir muchas cosas… aunque en ese momento no sabía cómo explicarlas” , recuerda Cancamusa . “La frase ‘busco entre mis recuerdos’ simboliza ese acto tan humano de mirar hacia atrás para encontrar fuerza en las vivencias pasadas y así poder enfrentar el dolor del presente. Y quizás por eso esta canción siempre volvió a mí. Hasta que un día una persona que escucha mi música con mucho cariño me escribió por Instagram y me dijo: ‘Deberías cantar Entre mis recuerdos’. Fue como si algo se encendiera. La volví a escuchar con otros oídos… y sentí que ahora sí tenía algo que decir a través de ella.” A partir de ese momento, la artista decidió reversionarla, “llevarla un poquito a mi mundo, a mi forma de sentir y de contar las historias.” Grabada en Ciudad de México por el ingeniero Felipe Castro y con la producción de Francis Durán (Los Bunkers) , esta nueva versión sitúa la canción en un territorio íntimo y contemporáneo. Cancamusa conserva la profundidad emocional del tema original, pero incorpora su propia sensibilidad sonora, creando una atmósfera delicada y nostálgica donde la voz y los arreglos se despliegan con una estética minimalista y cinematográfica. “Le conté a Francis Durán y me dijo que le encantaba la canción. Lo invité a producirla y a los dos días ya estábamos grabándola. Ha sido un gran ejercicio interpretarla porque nunca había sentido tan profundamente una canción que no hubiera sido escrita por mí. La letra es tan íntima y tan profunda que me ha ayudado a atravesar momentos difíciles. Representa una realidad personal que viaja conmigo desde hace mucho tiempo.” EL FUTURO Esta canción, que según palabras de Cancamusa supone “mirar hacia atrás, no para quedarse en la tristeza, sino para encontrar fuerzas” , también es una apuesta al presente y al futuro inmediato: “Los recuerdos no son solo nostalgia” , afirma la artista. “ También son una forma de sostenernos cuando la vida cambia. Por eso esta canción siempre me ha acompañado tanto. Porque buscar entre los recuerdos no es quedarse en el pasado… es encontrar en lo que fuimos la fuerza para seguir adelante. Quizás por eso ‘Entre mis recuerdos’ significa tanto para mí. Porque cuando la canto siento que vuelvo, por un momento, a esa casa, a esa niña, a esa familia… y recuerdo que crecí rodeada de amor. Y ese amor todavía me sostiene.” “Espero que las personas puedan viajar en el tiempo cuando escuchen esta canción. Que recuerden esos momentos importantes en los que se han sentido amados. Momentos de conexión con sus seres queridos, con su familia. Es una canción para reencontrarse con el amor del pasado. Y ojalá que cuando la escuchen también los abrace un recuerdo hermoso. También espero que esta canción llegue a nuevas generaciones, porque su letra es atemporal y siempre será un himno a la superación y a la memoria.” Con este lanzamiento, Cancamusa continúa ampliando su universo artístico tras el anuncio de su gira por Chile durante el mes de mayo, con presentaciones en distintas ciudades del país. Próximamente también se anunciarán fechas en México, donde sus seguidores podrán verla en vivo interpretando sus éxitos anteriores y las nuevas canciones de su disco Dopamina . En un año que se proyecta lleno de sorpresas, Cancamusa se consolida como una de las voces más interesantes de la nueva escena musical en Chile, México y el resto del continente.

Domingo 15 de marzo de 2026, el colombiano convirtió San Luis Potosí en su patio trasero: lleno total, gente cantando hasta quedarse sin voz y un setlist que fue un golpe directo. Canciones como “A Dios le Pido” y “Mala Gente”, siguió con las que te hacen sacar el celular para grabar como si fuera 2005 “Fotografía”, “Es por Ti”, “La Camisa Negra”, y remató con “Me Enamora”, “Yerbatero” y “Volverte a Ver” dejando al público hecho un mar de coros desafinados pero felices. Juanes no vino a medias: trajo toda la banda, toda la energía y esa mezcla de rock con sabor latino que hace que hasta los que “no son de baladas” terminen cantando con cara de “esto me está pegando más de lo que esperaba”. El Teatro de la Ciudad del Parque Tangamanga I tembló, sudó y se emocionó como pocas veces. Gracias a Apodaca Group y ERRE Producciones por seguir trayendo estos monstruos de gran calidad para el disfrute del público potosino. Puedes ver la galería completa AQUÍ Foto: Abril Varela

Tras el impacto de Genes Rebeldes, Aterciopelados anuncia el estreno de “La Teta Pirata”, su nuevo sencillo independiente, la banda reafirma su capacidad de tender puentes entre tradición y contemporaneidad, introspección y energía, crítica y esperanza. Una canción que reconoce en la tristeza un umbral hacia la esperanza. “A finales del 2024 me detectaron cáncer de mama tempranamente, agresivo pero oportuno. El 10 de enero del 2025 me hicieron una mastectomía bilateral. 15 días más tarde,  análisis del tejido de los pezones llevaron a una resección del pezón derecho. Fue fuerte, todavía lo es. Tener cáncer otorga una especie de poder: todos hacían lo que yo decía. Estoy bien, voy a controles regulares, pero hay un maligno que creció dentro de mí, que acecha. Luego de que en tu cuerpo crecieron tus hijos y se alimentaron de tus tetas, este triple negativo crecía y se esparcía. Por esos días escribí esta canción LA TETA PIRATA y  quiero que la escuchen. Ella es oscura pero luminosa. Comienza con una frase que decía mi papá: cada cometierra carga su terrón....nada de juntanzas, procesión luctuosa por dentro...licencia poética y nostálgica, porque en realidad mi familia y mis amigos fueron multitud silenciosa que ayudaron en todo el proceso. Una canción hermosa que sale de un momento agónico. y que viva la vida mientras se tenga que la salud se mantenga y que viva la fiesta y la alegría que la música y el amor siempre te hagan compañía.” (Andrea, 2026) La Teta Pirata fusiona ranchera y milonga, evoca la cadencia del vals latinoamericano y la introspección del bambuco colombiano, tiende puentes hacia el huapango mexicano y la chacarera argentina. Atmósfera de oscuridad y resistencia, que se expanden hacia un rock luminoso: un lamento que enfrenta la adversidad. Guitarras eléctricas y acústicas, bajo synth y texturas expresivas sostienen la voz profunda, potente e intencionalmente luctuosa de Andrea. La canción crece y abre el espectro hacia un rock expansivo y luminoso. La voz asciende hacia un registro lúdico que distiende y da paso a un coro memorable. El resultado es un contraste armónico precioso y único. Conceptualmente la canción nace de un momento agónico y simboliza el tránsito de la tribulación a la belleza. Profundiza en las exploraciones de los galardonados álbumes Claroscura y Genes Rebeldes y recuerda canciones como “Vieja” y “Ruana versus bikini” en el cuestionamiento a la sobrevaloración de la juventud como ideal cultural. “La Teta Pirata” es metáfora de resiliencia y un llamado a cuidar la vida y la unión. La producción, las guitarras, el bajo synth y los teclados estuvo a cargo de Juan Pablo Villamizar. La mezcla fue hecha por Leonardo Castiblanco. La autoría y producción vocal es de Andrea Echeverri. El videoclip fue dirigido y realizado por Milagros Jaramillo —hija de Andrea— junto a Luan Arango. La pieza audiovisual acompaña las transiciones de la canción entre luz y oscuridad con un tratamiento íntimo que dialoga con la narrativa emocional del sencillo. Como escenografía del video hay tetas de cerámica de las que fluyen cristales y perlas, joyas que dieron leche y vida, y textiles de mujeres llorando, todo hecho por Andrea. El vestuario de Andrea fue hecho por la premiada diseñadora Dayra Benavides, un chaleco de muchas tetas de terciopelo de colores con pezones de crochet.

Andrew Bird continúa con la celebración de todo un año por el 20.º aniversario de su emblemático álbum "The Mysterious Production of Eggs", considerado un disco definitorio dentro del indie por su estilo enigmático, su ingenioso uso del live-looping, sus melodías silbadas y su conexión emocional. Tras varias sesiones de grabación en distintos lugares y descartando versiones que no lo convencían, Bird dio forma a la versión final que consolidó su estilo y sentó las bases para los casi 20 álbumes y cientos de conciertos que ha realizado desde entonces. Este año, Bird inicia una gira internacional acompañada por algunas de las orquestas más importantes del mundo. La gira comenzó con un concierto con entradas agotadas en Barbican Hall de Londres, donde interpretará el álbum Eggs completo junto a la Britten Sinfonia. Durante la primavera, continuará reimaginando el disco con decenas de sinfónicas y filarmónicas a lo largo de la Costa Este y el Medio Oeste de Estados Unidos, y se suman nuevas fechas para verano y otoño, incluyendo San Francisco, Cincinnati, New York City, Los Angeles, Milwaukee, Chicago, Detroit, Minneapolis y Ciudad de México, destacando así su primera visita orquestal al país, misma que se llevará a cabo los días 27 & 28 de octubre en el Teatro de la Ciudad "Esperanza Iris". La influencia de Eggs sigue siendo profunda en la música indie y en la carrera solista de Andrew Bird. A principios de este mes, lanzó “Need Someone”, su primera canción original para la serie HBO Max The Pitt, recibiendo elogios de medios como Esquire, NPR Music, Stereogum, Collider y Mashable. A lo largo de su carrera, Bird ha explorado múltiples caminos artísticos: desde colaboraciones con cine y televisión, incluyendo apariciones en Fargo (FX) y The Muppets (Disney), hasta incursiones en el jazz , proyectos como Cunningham Bird con Madison Cunningham, charlas en TED, artículos en The New York Times, y duetos con artistas como Fiona Apple y Phoebe Bridgers. La gira y el lanzamiento del box set refuerzan la vigencia de su obra y su capacidad de seguir sorprendiendo a nuevas generaciones de oyentes.

Viernes de gloria en el Parque Tangamanga I: el argentino que nos tiene a todos creyendo que el amor y la conciencia se pueden bailar llegó con todo y se llevó el alma de miles de potosinos. Mariano Castro se subió al escenario y ya se sentía esa conexión que solo pasa con Dread Mar I: reggae que te hace bailar mientras reflexionas sobre la vida. Letras de amor sin cursilerías, conciencia sin sermón y esa voz que te abraza el pecho. “Más allá de tus ojos” para empezar a sudar, “Aunque digan” para que todos gritaran como si les fuera la vida, “Decide tú”, “Transparente”, “Libre” y “Siento que me amas” que te hacen sentir que alguien te entiende sin juzgar. Pero los momentos que rompieron todo fueron los clásicos inevitables: “Tú sin mí” cantado a todo pulmón por los potosinos y “Sálvame” que cerró la noche dejando a más de uno con el nudo en la garganta y los ojos brillosos. El ambiente fue de esos que no se explican: buena onda pura, gente abrazándose, y esa energía que solo el reggae sabe generar. Dread Mar I no toca para entretener: toca para que sientas que no estás solo en el desmadre de la vida. Apodaca Group y ERRE Producciones armaron un buen concierto, dejando en claro que el reggae sigue vivo. Puedes ver la galería completa AQUÍ Foto: Abril Varela

Fot o: Charlie Riobueno Broke Carrey presenta “monumento” , un nuevo single que sigue abriendo el universo de HIJO DEL PAÍS , su esperado segundo disco. La canción se mueve en un registro inesperado dentro de su obra: una tonada cuyana compuesta y grabada junto al mendocino Cocó Orozco, integrante de Usted Señalemelo y parte del equipo de composición del disco. Criado dentro de esa tradición, Cocó aporta una sensibilidad propia del género popular, que Carrey toma y reconfigura desde su propio lenguaje. “monumento” es una oda al deseo dicho en voz alta, una canción que mezcla la picardía y exageración propias de la música popular argentina para hacer del recuerdo de una mujer un altar profano. Después de “ZUPAY” , este nuevo adelanto funciona como una grieta luminosa dentro de HIJO DEL PAÍS , una pieza filosa que suma humor y sensualidad y tradición viva al mapa emocional del disco. El video que acompaña el single, dirigido por Justo Benedetto, muestra un día en La Carrera en Mendoza: Carrey y Cocó volviendo de tocar, subidos a la cajuela de una chata, con vino y guitarras, rodeados de montañas y ruta. “'Monumento' es el tema con el que rompo la solemnidad del disco. Soy una persona que está todo el tiempo queriendo hacer reír a los que tiene alrededor, y me gusta que la música también me haga reír. El último día del camp Cocó grabó una tonada, que es la música con la que creció, la de su familia, y antes de irse nos dice medio en chiste: lo único que les pido es respeto. Y yo me quedé pensando en cuál sería la manera más respetuosa de faltarle el respeto, y pensé en una letra que sea todo lo contrario a la ternura y dulzura que emanaba las guitarras que él había tocado. Ir a filmar el videoclip a Mendoza también es Cocó abriéndome las puertas de su familia y de su tradición.” - Broke Carrey HIJO DEL PAÍS es el segundo disco de Broke Carrey, un recorrido por la argentinidad desde su diversidad musical: del folclore y el imaginario de la música popular argentina al pop actual y el hip hop, en un viaje que une territorio, identidad y presente. Un disco que no busca reconstruir lo que fue, sino sostener lo que sigue ardiendo: la rebeldía, la búsqueda, la identidad en movimiento.