Resultados de la búsqueda

La zacatecana decidió que ya era hora de dejar de culpar a los demás y empezar a cuestionarse por qué su propia compañía le resultaba tan incómoda. Su nuevo disco, "Mirar Adentro", lanzado este mes de abril, es básicamente el resultado de lo que pasa cuando finalmente te quedas solo en casa sin Wi-Fi y no te queda de otra más que hablar contigo mismo. Pero ojo, que no es el típico discurso motivacional. Aquí Nat se mete en el lodo de la ansiedad, el burnout y ese delicioso síndrome del impostor que a todos nos encanta cargar. Lo interesante es que, musicalmente, Nat mandó a volar la etiqueta de "la chica con la guitarra" para armar un collage sonoro bastante ambicioso. Producido por Multiverso Rec, el álbum salta del bolero al indie rock y se atreve incluso con el danzón. El eje de todo este disco es "Perdón", una rola que funciona como el momento en el que dejas de ser el juez más nefasto de tu propia vida. En lugar de buscar culpables afuera, Nat admite que la peor relación tóxica que ha tenido es la que mantiene con ella misma. Para los que creen que Nat salió de la nada, hay que recordar que esta travesía empezó en Zacatecas. Antes de llenar recintos en la CDMX, Natalia Díaz se hizo un nombre subiendo covers a YouTube y Bandcamp con una estética que gritaba "estoy triste pero tengo estilo". Un dato curioso es que su nombre artístico nació de una mezcla entre el símbolo @ (porque, ya sabes, generación internet) y su nombre abreviado, algo que hoy suena a 2012, pero que se convirtió en una marca de culto en el indie mexicano. "Mirar Adentro" no es un disco para que te sientas mejor mágicamente, es más bien un espejo sin filtro de belleza. Si estás listo para dejar de huir de ti mismo y quieres hacerlo con una buena dosis de distorsión y melancolía inteligente, dale una escuchada.

¿Alguna vez te has mirado al espejo después de una mala semana y no tienes ni idea de quién es el tipo que te está regresando la mirada? Si la respuesta es sí, felicidades, ya puedes entrar al club de los confundidos que lidera Tino El Pingüino. Tras el trabalenguas que fue su primer sencillo (“Kaomojis con Ojos de Relojes de Arena”, que todavía nadie puede pronunciar de corrido), el Tino regresa con “Mil Caras”, una rola que es básicamente una autopsia a su propia mente. En una época donde el rap parece resumirse en "presumir lo que no tengo" y "usar más autotune que una boyband", Tino decide irse por el camino difícil. “Mil Caras” es una mezcla de rap alternativo con una agresividad lírica que se siente como si te estuvieran leyendo la cartilla en una calle oscura. La rola está llena de imágenes surrealistas y críticas ácidas a la sociedad, demostrando que este compa tiene más referencias literarias que todos los TikTokers de música juntos. Lo que hace Tino aquí es jugar con sus múltiples identidades. Se mueve entre la poesía y el gangsta rap con una facilidad que ya quisieran los que intentan copiarle el estilo. Es crudo, es honesto y, sobre todo, es incómodamente real. Franco Genel (o sea, el Tino) no es ningún improvisado. Lleva años siendo el referente del rap independiente en México, demostrando que no necesitas una disquera trasnacional para que tu pluma sea considerada la más maestra del género. Este sencillo no es solo un lanzamiento al azar; es el segundo adelanto de su próximo álbum, Kaomojis, que verá la luz el 28 de mayo. Si este track es un indicador de lo que viene, preparen el cerebro, porque el disco promete ser un viaje de esos que te dejan pensando en qué momento perdiste el rumbo de tu vida.

Foto: Henry Goodfellow Si ya tienes tus boletos (o vendiste un riñón) para ver a Harry Styles este verano en el Estadio GNP Seguros, prepárate, porque Jorja Smith acaba de presentar el video de "Price Of It All", una rola que suena a billetes y ese vacío que sientes cuando te das cuenta de que el éxito sale más caro que una renta en la Condesa. El tema no salió de la nada. Es el eje central de "Bait", la nueva serie de Prime Video creada por Riz Ahmed. Lo interesante es que el soundtrack no es la típica mezcla de canciones de relleno. Se metieron a buscar psicodelia paquistaní de los 70 y la mezclaron con sonidos modernos del Reino Unido. Un licuado cultural que suena bastante más decente que los remixes que escuchas en el transporte público. Si por alguna razón andas en Londres en agosto (quién fuera tú), Jorja también va a ser la mera jefa del festival All Points East, donde va a armar el cartel junto a Tems. O sea, la mujer anda imparable mientras nosotros seguimos decidiendo qué pedir de cenar. Este 2026 no es cualquier año para Jorja. Se cumplen 10 años desde que sacó "Blue Lights" y nos demostró que tiene una voz que te hace sentir cosas. Para festejar, la mujer se va a andar paseando por todo el mundo y, por supuesto, le va a abrir seis fechas al mismísimo Harry Styles en la Ciudad de México. Si quieres llegar al concierto de Harry Styles sabiendo algo más que las de One Direction, dale una escuchada a "Price Of It All". Es elegante, es intensa y nos prepara para ver a una de las mejores voces de su generación antes de que los gritos de las fans de Harry nos dejen sordos.

Hay una línea muy delgada entre el amor y la necedad, y Olas al Azar se acaba de estacionar justo encima de ella con su nuevo sencillo: “Desgraciado”. Si después de su rola "Primavera" pensaste que todo sería flores y renacimiento, prepárate, porque ahora nos trae el manual sonoro de cómo quedarte aferrado a un clavo ardiendo. La canción es un retrato de ese estado mental donde la ilusión pesa más que la lógica. Ya sabes, esa etapa donde proyectas toda una vida con alguien que solo te contesta con un emoji cada tres días. “Desgraciado” no intenta verse bonito; se mete en el lodo de la obsesión romántica y expone lo patético que puede ser confundir señales solo porque no queremos soltar el hueso. En lugar de sonar a la típica balada de despecho de radio comercial, musicalmente, la rola se mueve en un indie pop melancólico que empieza íntimo, casi como un secreto, y termina explotando cuando la realidad finalmente te da el bofetón que necesitabas. Lo interesante aquí es que Olas al Azar, quien le mete bastante a la creación audiovisual y al activismo en redes, usa este estreno para hablar de la identidad queer. No es solo sufrir por alguien; es la sensación de desear desde un lugar que el mundo a veces no valida. Es la lucha por encajar cuando te sientes fuera de lugar, pero con una honestidad que ya quisieran muchos artistas de plástico.

Foto: Ornelia Greco A una semana de publicar su nuevo disco, Saramalacara estrena el video de “EN LA OCULTA” , uno de los tracks más íntimos de MATADEROS . Filmado en el barrio donde creció, entre su casa de entonces, el skatepark de Mataderos, el barrio Los Perales y la Villa 15 (Ciudad Oculta) que da nombre al track, el video dirigido por Cruz Larrosa pone en primer plano ese territorio para volverlo protagonista. Todo se construye en cercanía: las camisetas verde y negro de Nueva Chicago —el emblemático club de fútbol del barrio—, las noches en el skatepark y las escenas en su cuarto no aparecen para explicar el barrio, sino para habitarlo desde adentro. “EN LA OCULTA” lleva esa misma lógica a lo sonoro, con producción de Aaron Shadro —reconocido por su trabajo en el pop junto a Camila Cabello y Yeat—, Lucian y Lukrative—vinculados al legendario colectivo de Opium y colaboradores de Playboi Carti, entre otros—, y Dayvan—productor ejecutivo del disco junto a Evar, ambos colaboradores de Sara desde sus comienzos—. Beats filosos y bajos saturados acompañan un relato donde la memoria irrumpe con fuerza: la adolescencia, los rituales del barrio, una versión de sí misma anterior a que todo cambiara.   El video se estrena una semana después del lanzamiento de MATADEROS , el segundo álbum de Saramalacara, que toma el nombre del barrio donde creció y trabaja sobre esa tensión entre pasado-presente-futuro a lo largo de sus 17 tracks. Publicado por Interscope Capitol Records y grabado en Los Ángeles, MATADEROS lleva esa marca en sus texturas industriales y en la nostalgia persistente de sus letras. A pesar de su alcance internacional, es la especificidad local lo que define esta nueva etapa de Saramalacara. El video de “EN LA OCULTA” lo vuelve visible: Mataderos no como fondo, sino como punto de partida. “Me parecía importante irme tan lejos de casa, hacer un disco con una major y aun así ponerle el nombre de mi barrio. Se llama MATADEROS porque las letras están muy atravesadas por la nostalgia, por el barrio en el que crecí toda mi vida. Es un lugar que está como en el medio, entre capital y provincia, y siento que mi música también habita ese intermedio, entre lo under y lo mainstream.” — Saramalacara Con MATADEROS , la artista argentina irrumpe en el mapa global del cloud rap y el rage contemporáneo de la mano de algunos de sus arquitectos, como Evilgiane y Eera de Surf Gang. Para este nuevo trabajo, reunió al núcleo de productores vinculados al colectivo Opium: F1lthy, Lucian, Lukrative y Ojivolta, y colaboradores de peso en la electrónica y el pop experimental como Dylan Brady (100 gecs, Skrillex), Casey MQ (Oklou), y Aaron Shadrow. El resultado es un retrato brutal y hermoso del ascenso y su origen, en el que Saramalacara afirma una visión que trasciende fronteras y exige atención.

Foto: Sara Messinger Diles que no me maten estrenan álbum el próximo 12 de junio de 2026, y ya nos adelantaron el primer golpe: “Hiriku” , un tema enérgico que se sale del molde reflexivo del disco pero que funciona como un umbral perfecto. Esa frase que repite Jonás Derbez como mantra “La mitad que soy no existe, y la mitad que existe no soy” es de las que te dejan pensando un rato largo. Es egocida, poética y un poco aterradora… justo lo que necesitamos para entrar en este nuevo universo. El álbum nació en un estudio improvisado en Santa María la Ribera, con Sebastián Rojas como productor. Ahí dejaron que las canciones se desarmaran y se volvieran a armar, con fallos técnicos que terminaron siendo felices accidentes (como esa intro “Las noches que dormimos en sillas” que empezó como un chiste gótico a lo Duke Ellington y terminó con saxo de Alain Derbez y toques de música funeraria de la Sierra Mixe de Oaxaca). El resultado es un álbum espiritual sin ser religioso, que fluye como agua: hermoso, mutable y un poco imposible de atrapar. "Escrito en Agua" está dedicado a dos figuras. La primera es la estrella de la mañana Tunuwame , patrona de cantantes y músicos según la mitología indígena del occidente de México. “Estrella tan distante, si te dejo de cantar me desperdiciaré” , canta Jonás en el tema de cierre del álbum, nombrado en honor a este cuerpo celeste. La segunda dedicatoria es para Mahmoud Darwish , ampliamente considerado el poeta nacional de Palestina, cuyos “poemas documentales” inspiraron a Jonás en varias canciones del disco de una manera inédita para él. “Simplemente está escribiendo el día a día de vivir en un estado sitiado, escribiendo sobre las pequeñas visiones que observa” , reflexiona. Son esas pequeñas visiones las que hacen de "Escrito en Agua" la obra que es: brillante sin pretensiones, fluyendo nota a nota hacia un gran desconocido lleno de posibilidades infinitas. Esa combinación de lo mítico, lo poético y lo profundamente humano es lo que hace que Diles que no me maten suene distinto a casi todo lo que está pasando en México ahora. La banda regresa con un disco que suena más deliberado y accesible, pero sin perder esa esencia de exploración lenta, krautrock improvisado y art rock nervioso que los caracteriza, además anunciaron una mega gira mundial que incluye más de 70 fechas: “Cuando dos o más personas que están perdidas se encuentran. Significa que no estaban perdidas, quiere decir que estaban a la deriva o derivando, con el corazón despierto que para estar despierto está soñando” Tour terrestre, Diles que no me maten Si te gusta la música que te hace pensar mientras te mueve, que mezcla lo experimental con lo emotivo y que se siente viva, “Escrito en Agua” va a ser de esos discos que escuchas completo y luego te quedas en silencio un rato.

Foto: Tigre Facil / Estudios Nacionales La banda de León, Guanajuato, marca un nuevo capítulo importante: su primer lanzamiento bajo Interscope y el primer sencillo de su segundo álbum que sale este año. Y la neta… arrancan fuerte. “Tus Palabras” es synth-pop con alma de R&B. La canción habla de eso que todos hemos vivido: una relación donde las palabras del otro te dan esperanza por cinco minutos y luego te dejan hecho mierda, lleno de ansiedad, confusión y ese cansancio emocional que no se quita ni durmiendo 12 horas. Es hipnótica, melancólica y adictiva, como esas conversaciones de madrugada que sabes que te van a hacer daño pero igual respondes. “‘Tus Palabras’ habla sobre el momento en el que nos comenzamos a desconocer y extrañamos versiones nuestras que ya no existen. Habla sobre la ansiedad que generan las palabras que nos decimos en momentos de desesperación por intentar recuperar aquello que sabemos que ya no puede volver. Es una especie de nostalgia generada por ya no ser quienes éramos antes, y la incertidumbre que acompaña el explorar quienes somos realmente en este presente donde añoramos el pasado.” - María Torres, vocalista El video refuerza todo: estética Y2K vintage de principios de los 2000, con los integrantes apareciendo en pantallas de televisión viejas. Es la imagen perfecta de la fragmentación emocional y ese ciclo tóxico de estar pendiente de lo que dice la otra persona como si fuera oxígeno. Disco Bahía sigue haciendo lo que mejor les sale: mezclar nostalgia con sonido actual, sin caer en lo cursi ni en lo pretencioso. Tienen ese toque elegante pero con sentimiento de verdad, y “Tus Palabras” es la prueba de que están maduros y más filosos que nunca.

“Letras Chiquitas” marca el inicio de una nueva fase para Entre Compas, un proyecto que sigue creciendo sin perder la esencia que lo llevó a conectar con su audiencia desde el Vol. 1. En este nuevo capítulo, Charles Ans, DAAZ, Caztro y Yubeili abren la puerta a un nuevo “compa”: Sabino, quien se integra de forma natural a la dinámica del colectivo. La canción se construye a partir de una idea sencilla pero profundamente identificable: ese momento en el que descubres que la persona de la que te enamoraste no era exactamente como pensabas. La comparación con no haber leído las letras chiquitas de un contrato aterriza el concepto en un terreno cotidiano, logrando que la narrativa fluya con honestidad y cercanía. En lo sonoro, el tema mantiene la línea que definió al primer volumen del proyecto, apostando por una continuidad que responde directamente a la conexión que ya existe con su público. La producción, a cargo del colombiano La Loquera, acompaña esta evolución sin romper con la identidad que Entre Compas ha construido. Más que un sencillo, “Letras Chiquitas” funciona como una declaración de intención: una nueva etapa que amplía el universo del proyecto, suma voces y fortalece su esencia colaborativa. La incorporación de Sabino no solo aporta frescura, sino que también marca el tono de lo que viene para Entre Compas en esta siguiente fase.

Foto: Ignacio Chinchilla Saramalacara es el proyecto de Sara Azul Froján, compositora, cantante y productora argentina. Es una de las artistas más dinámicas de la escena musical contemporánea, con un universo que combina trap, cloud rap, experimentación hyperpop y una relación performática y conceptual con internet. Ahora suelta su segundo álbum y lo hace con todo el peso: Mataderos , un disco que es quiebre, consolidación y un puto viaje de ida y vuelta entre el under y el mainstream. Grabado en Los Ángeles durante 2025, con producción ejecutiva de Evar y Dayvan, Saramalacara reunió a la crema del cloud rap y el rage actual: Evilgiane y Eera (Surf Gang), F1lthy, Lucian, Lukrative y Ojivolta (los mismos que trabajan con Playboi Carti, Ken Carson, Destroy Lonely, Kanye y FKA Twigs), más Dylan Brady (100 gecs, Skrillex), Casey MQ y Aaron Shadrow. O sea, trajo a los arquitectos del género a su propio terreno. El disco mantiene esa atmósfera etérea y nostálgica que siempre la caracterizó, pero ahora le mete el filo eufórico del rage. Es la tensión perfecta: volver al barrio de Mataderos (donde creció escuchando a esos mismos productores de LA y NY que hoy colaboran con ella) mientras su identidad se expande desde una de las capitales del género. “Me parecía importante irme tan lejos de casa, hacer un disco con una major y aun así ponerle el nombre de mi barrio. Se llama Mataderos porque las letras están muy atravesadas por la nostalgia, por el barrio en el que crecí toda mi vida. Es un lugar que está como en el medio, entre capital y provincia, y siento que mi música también habita ese intermedio, entre lo under y lo mainstream.” — Saramalacara Es un álbum que no se adapta al mundo global, lo opera desde su propia geografía. Cierra un ciclo y abre otro: las raíces bien firme s en el barrio y la mirada puesta en el futuro.

Pol Granch inaugura una nueva etapa con “pecos”, su sencillo más íntimo y crudo hasta la fecha. El artista español regresa con una canción donde la vulnerabilidad se convierte en el eje central de su narrativa, apostando por un pop emocional, directo y sin artificios. En este nuevo lanzamiento, el vacío y la obsesión amorosa funcionan como metáforas de una herida más profunda, marcando un punto de inflexión en su carrera tanto a nivel personal como creativo. “pecos” no solo representa un cambio sonoro, sino también el inicio de un proceso introspectivo en el que el artista se permite cuestionarse, reconstruirse y explorar nuevas formas de expresión desde un lugar más honesto. Para Pol Granch, este sencillo es el primer paso de un camino más amplio: una etapa de búsqueda personal donde la música se convierte en vehículo de autodescubrimiento. El tema surge de manera casi instintiva, como esas canciones que aparecen sin previo aviso pero terminan definiendo el rumbo de todo un proyecto. Esta nueva fase encuentra al artista con una visión renovada, priorizando la conexión genuina con sus emociones y con la forma en que decide compartirlas con su audiencia. En este sentido, el sencillo se posiciona como uno de los pilares más importantes de esta nueva etapa, no solo por su carga emocional, sino por la manera en la que redefine el lenguaje artístico de Pol Granch. Lejos de buscar respuestas inmediatas, el artista se adentra en un terreno más introspectivo donde las dudas, los silencios y las contradicciones también forman parte del discurso. Esta apertura creativa le permite conectar desde un lugar más real con su audiencia, apostando por una narrativa que prioriza la honestidad por encima de cualquier tendencia. "Esta canción es la primera piedrecita de este nuevo camino. Una etapa principalmente de búsqueda personal. Este primer tema significa mucho, porque siento que me vuelvo encontrar tanto personal como musicalmente. Y justo lo hice con esta canción." - Pol Granch El vínculo de Pol Granch con México continúa fortaleciéndose, consolidándose como uno de los territorios clave para su crecimiento. Sus presentaciones en el país han reafirmado una conexión cercana con el público mexicano, que ha encontrado en su propuesta una voz honesta dentro del panorama del pop alternativo en español. Este lanzamiento abre la puerta a una etapa que promete seguir estrechando esa relación. Reconocido por construir un universo donde conviven la sensibilidad, el conflicto interno y una estética definida, Pol Granch se ha consolidado como una de las voces más singulares de su generación. Con “pecos”, el artista no solo presenta un nuevo sencillo, sino que sienta las bases de una etapa en la que la prioridad es clara: crear desde la autenticidad y evolucionar sin perder la esencia que lo ha definido.

Foto: Tania Todd La cantautora mexicana Paloma Morphy, ganadora del Latin GRAMMY 2025 a Mejor Nuevo Artista, arranca este nuevo lanzamiento con dos canciones: “qué ves en mí?” e “interesante” , ya disponibles en todas las plataformas digitales. Para “qué ves en mí?” , Paloma invitó a la también cantante mexicana EMJAY a sumarse a una canción íntima y vulnerable en la que la inseguridad, la aceptación propia y la necesidad de verse con otros ojos atraviesan toda la historia. Escrita por ambas artistas y producida por el chileno Pablo Stipicic junto con Paloma, la canción funciona como una confesión honesta de alguien que no siempre logra reconocer su propio valor, pero que intenta encontrar respuestas en la mirada de alguien más. En lo musical, “qué ves en mí?” se mueve entre sonidos de pop/rock, con texturas analógicas, una batería contenida y guitarras eléctricas con un toque de distorsión que acompañan muy bien la carga emocional de la letra. A eso se suma un diseño sonoro con voces lejanas e indescifrables que refuerzan la sensación de estar escuchando el monólogo interno de sus protagonistas. Este lanzamiento también incluye “interesante” , un tema en solitario en el que Paloma pone la mirada no sobre sí misma, sino sobre la incertidumbre que existe dentro de una relación y sobre esos sentimientos que no siempre terminan de quedar claros. La letra, escrita por Paloma junto al regiomontano Meclente, se mete en esas zonas grises del amor donde conviven la ironía, la duda, el distanciamiento y hasta cierta dependencia emocional. En “interesante” , Paloma sigue dialogando con ese sonido pop/rock de tintes vintage, ahora con baterías mucho más protagonistas y guitarras que ayudan a soltar un poco la tensión emocional del tema. La producción, a cargo de Pablo Stipicic, Meclente y la propia Paloma, también suma elementos electrónicos y un juego vocal que le da más profundidad a la canción. “qué ves en mí?” e “interesante” son además los primeros lanzamientos de Paloma Morphy desde su triunfo en la 26. Entrega Anual del Latin GRAMMY, donde se llevó el premio a Mejor Nuevo Artista, una de las cuatro categorías principales de la noche. Este verano, Paloma también vivirá uno de los momentos más importantes de su carrera con su debut en el circuito de festivales de Estados Unidos como parte de Lollapalooza, que se llevará a cabo del 30 de julio al 2 de agosto en Grant Park, Chicago.

Foto: @carlosmaycotte Josué Ramírez, el tijuanense que opera desde la CDMX de forma independiente con el sello El Brillante, se presentó en varios showcases del festival (Vinilious, Meanwhile Beer, Monster Child Mohawk y el famoso El Sonido KEXP) y dejó a la industria con la boca abierta. Resultado: se llevó el Gulke Prize en la categoría Developing Non-U.S. Act (Artista Internacional en Desarrollo) en el South by Southwest (SXSW) , un evento que congrega diversos eventos y conferencias de películas, medios interactivos y música, que tienen lugar cada primavera en Austin, Texas, Estados Unidos. El Gulke Prize es un reconocimiento serio, creado en memoria de Brent Grulke (el histórico director creativo de SXSW), y se entrega a los proyectos que muestran un potencial brutal para crecer. La Texana no solo tocó bien: demostró que su propuesta de rock alternativo es de las más frescas y personales que están saliendo de México en este momento. Primer latino/mexicano en la historia que se lleva este premio. Punto. La Texana no es solo otro nombre en la escena: es de esos proyectos que suenan distinto, que tienen identidad propia y que están rompiendo el molde desde la independencia. Que un festival tan importante como SXSW lo reconozca como el acto internacional en desarrollo más prometedor del año es una señal clarísima de que estamos frente a algo especial. México sigue sacando talento que está llamando la atención a nivel mundial, y La Texana acaba de poner un precedente cabrón para los que vienen atrás. Felicidades, Josué. Que siga el desmadre y que el ruido siga creciendo. Te dejamos las próximas fechas de La Texana en México, presentando LA CASA QUE CAE