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Parece que en la Ciudad de México nunca es suficiente post-punk y Motorama lo sabe perfectamente. La banda originaria de Rostov del Don ha decidido que ya le quedó chico el Teatro Metropólitan y ahora va tras la joya de la corona: el Auditorio Nacional. Vladislav Parshin y compañía han logrado que canciones como “Wind in Her Hair”, “Heavy Wave” y “Ghost” se conviertan en clásicos generacionales para quienes disfrutan de la melancolía bailable. Han pasado de ser un secreto bien guardado en plataformas digitales a agotar fechas en México con una facilidad que ya envidiarían muchos artistas de radiofórmula. Si crees que Motorama es lo único que sale de la mente de Vladislav Parshin, te falta calle sónica. El líder de la banda tiene un proyecto paralelo llamado Utro (Mañana), donde deja de lado el inglés y las melodías de ensueño para centrarse en un post-punk mucho más experimental, crudo y cantado totalmente en ruso. Es el lado oscuro y menos complaciente de un músico que, curiosamente, graba y produce casi todo su material de forma independiente en su natal Rostov, manteniendo una estética de autogestión que no ha perdido a pesar de estar a punto de pisar el escenario más prestigioso de México. Esta presentación marca un punto de inflexión en su carrera; ya no son la banda de culto que solo escuchas en audífonos mientras llueve, ahora son un monstruo de convocatoria que se atreve con las 10 mil personas del Auditorio. Presentado por ACK Promote y Eyescream, este concierto no es una escala más en su itinerario; será la única fecha que los rusos realizarán en toda Latinoamérica durante 2026, boletos disponibles a través de www.ticketmaster.com.mx

¿En qué momento se puso de moda ver quién aguanta más dentro de una relación que ya huele a quemado? Andrea Martínez, mejor conocida en la escena como Andru, parece tener la respuesta en su nuevo sencillo, “rápido, rápido”, el primer adelanto de su EP Sonríe. La artista decidió apagar las luces y quitarle el color a su propuesta para este nuevo ciclo. Si antes navegábamos en un pop más amigable, ahora nos lanza directo a un universo donde los vínculos que lastiman son los protagonistas. La canción es una contradicción caminante: tiene un coro diseñado para quedarse en tu cabeza todo el día, pero está envuelto en guitarras con una distorsión que te recuerda que la estabilidad es un concepto que aquí no existe. Grabada en el estudio (Etsudio) de la Ciudad de México, la canción avanza con una caja de ritmos que no da tregua, simulando esa taquicardia que te da cuando sabes que deberías irte de un lugar pero tus pies no te obedecen. Es un pop arriesgado que prefiere el ruido y el feedback antes que sonar a la misma receta de siempre. Andru no busca que te sientas cómodo; busca que reconozcas esa urgencia de querer frenar mientras sigues pisando el acelerador. ANDRU se prepara para su próxima presentación en la Ciudad de México, presentando este nuevo material el 13 de junio en CHICO. Los boletos ya están disponibles a través de Passline.

Tino El Pingüino se le acabó el sarcasmo y decidió que era buen momento para contarnos cómo se siente cuando el agua le llega al cuello en una relación. Su nuevo sencillo, “Te Estás Soltando”, es el tercer aviso de lo que será su próximo disco, Kaomojis, programado para este 28 de mayo. En este corte, Tino manda a volar la pose de tipo cínico que lo ha caracterizado para meterse en un terreno mucho más pantanoso: el de la vulnerabilidad, navega entre el deseo y la contradicción, admitiendo que el control de la situación se le fue de las manos hace mucho. Tino utiliza su ya conocida habilidad para los juegos verbales, pero esta vez no para presumir su vocabulario, sino para construir un diálogo interno donde el orgullo sale perdiendo. Es esa sensación universal de estar más involucrado en una relación de lo que te gustaría admitir, especialmente cuando habías jurado que esta vez no te iba a pasar. “Te Estás Soltando” es la prueba de que hasta el más cool de la escena tiene sus momentos de debilidad.

San Luis Potosí se prepara para recibir una mezcla tan extraña que solo podría funcionar en una feria donde la entrada no cuesta un solo peso. Mientras el gobierno estatal sigue asegurando que la FENAPO es la cúspide del entretenimiento nacional, el Teatro del Pueblo suma nombres que van desde la tradición más vieja del acordeón hasta el fenómeno más reciente de los corridos que inundan las redes sociales. A la cartelera ya conocida se le añaden ahora Ramón Ayala, Lila Downs, Xavi y Los Huracanes del Norte. Es, básicamente, un menú musical diseñado para que desde el abuelo que quiere ahogar las penas con "Tragos Amargos" hasta el adolescente que solo conoce la música por fragmentos de quince segundos, tengan un pretexto para amontonarse frente al escenario. Lila Downs pondrá el toque de sofisticación y cultura que siempre hace falta para que no todo sea bota y sombrero, mientras que Los Huracanes del Norte llegan a recordar por qué llevan décadas siendo los dueños de la narrativa del corrido tradicional. Todo esto, por supuesto, bajo la promesa de que no tendrás que pagar entrada, lo cual siempre se agradece cuando la economía está más apretada que los pantalones de un vocalista de banda. La FENAPO 2026 sigue sumando piezas a su rompecabezas, pero que garantiza que el Teatro del Pueblo estará a reventar todas las noches. Avisados están. #FENAPO2026

El próximo 27 de noviembre, el House of Vans recibirá por primera vez en México a Perfecto Miserable, la banda llega con la intención de que todos coreen “Termonuclear”, una pieza que básicamente es el resumen perfecto de lo que sientes cuando tu vida amorosa decide estallar en mil pedazos. Lo de estos tipos no es el pop fresa de radiofórmula. Es música hecha para saltar mientras te ríes de lo patética que puede ser la existencia moderna, algo que en la Ciudad de México se da de manera natural. Aunque hoy los vemos de gira internacional, Perfecto Miserable nació en la escena underground de Mallorca, un lugar que, aunque parezca un paraíso turístico, tiene una tradición de bandas de rock alternativo bastante ruda que sobrevive a pesar del reguetón veraniego. Un detalle curioso es que su sonido bebe mucho de la influencia de bandas como Los Planetas, pero con un acelerador pisado a fondo que recuerda al pop-punk californiano de los noventa. Básicamente, son el punto medio entre querer llorar por un ex y querer romper una tabla de skate contra el pavimento. Quedan muy pocos accesos, así que si planeas ir, muévete rápido. Boletos AQUÍ

Las dos instituciones más grandes del ruido festivo argentino anunciaron una gira conjunta que llegará a tierras potosinas y regiomontanas a finales de 2026. Lo que viene es un desorden organizado donde el ska, el rock y la murga se mezclan para recordarte que la madurez es opcional. Mucha gente ve a Los Caligaris y piensa que son solo músicos con ganas de jugarle al equilibrista, pero la cosa va en serio. La banda se fundó en Córdoba, Argentina, y su nombre es un homenaje al payaso “Caligari”, quien murió en el picadero del circo de los antepasados de los fundadores. De ahí viene toda esa parafernalia de acrobacias que despliegan en el escenario; llevan el circo en el ADN familiar, no es solo un disfraz para llamar la atención. 1 de noviembre: Teatro del Parque Tangamanga II – San Luis Potosí. 20 de noviembre: Auditorio Banamex – Monterrey. Por su parte, Los Auténticos Decadentes llevan desde 1986 demostrando que no hace falta ser un virtuoso de la guitarra para ser una leyenda. Cuando empezaron, la prensa argentina los trataba como un chiste de mal gusto porque mezclaban géneros "populares" que el rock de la época miraba por encima del hombro. Cuarenta años después, esos críticos están jubilados y los Decadentes siguen llenando lugares con canciones que ya son patrimonio de cualquier borrachera que se respete. Si estás listo para una noche donde la elegancia brilla por su ausencia y lo único que importa es no desentonar tanto en el coro, esta es tu oportunidad.

Los tipos de Coilguns presentaron su nuevo sencillo, “Peace Trader”, lanzado vía Humus Records, es un escupitajo a la cara de esa pulcritud moral que su país presume ante el mundo. La banda deja de lado las sutilezas para señalar lo que todos saben pero pocos dicen: Suiza negocia con la paz mientras sus empresas operan con lógicas que harían sonrojar a cualquier colonizador del siglo XIX. No hay metáforas bonitas aquí; hay ruido, hay mugre y una frustración que se siente en cada segundo de la grabación. Si el mensaje es frontal, la producción no se queda atrás. Para que este ataque sonara con la densidad necesaria, se rodearon de gente que no juega a las escondidas: grabado por Scott Evans (La Dispute, Neurosis) y mezclado por Tom Dalgety (el mismo que le da forma al sonido de Ghost y Pixies). El resultado es una pieza que se siente como un edificio colapsando sobre tus oídos, alejándose de cualquier intento de ser una canción amigable para la radio. Tras una gira extenuante de más de 80 fechas en 2025, el cuarteto suizo demuestra que su motor no es la fama, sino la incomodidad. Su sonido, una mezcla de hardcore experimental y noise-rock, ha evolucionado hasta convertirse en un arma de precisión que están listos para disparar de nuevo en territorio mexicano. "Crecimos escuchando que nuestro país era un refugio seguro para las convenciones de derechos humanos, un centro histórico de organizaciones humanitarias, un territorio neutral para la diplomacia, un hogar para quienes lo necesitan y un defensor de la paz desde hace siglos. Pero cuanto más crecemos, más vemos cómo esa imagen se transforma en un retrato de Dorian Gray. Recientemente hemos visto a nuestros representantes federales minimizar la exportación de bienes de doble uso o apoyar visiones parciales ante violaciones graves del derecho internacional. Hemos descubierto que nuestro sistema de asilo se ha convertido silenciosamente en un plan racista y humillante de disuasión, y seguimos sin poder responsabilizar a nuestras empresas internacionales por sus crímenes colonialistas." Para entender por qué Coilguns está tan molesto, hay que ver las cifras: a pesar de su famosa "neutralidad", Suiza es uno de los mayores exportadores de armas per cápita en el mundo. En 2023, las exportaciones de material bélico suizo alcanzaron cifras récord, llegando a países involucrados en conflictos abiertos. Ese es el negocio de la paz al que “Peace Trader” le dedica sus mejores gritos. Además, Jona Nido, guitarrista de la banda, es el cerebro detrás de Humus Records, un sello que ha publicado más de 170 discos, demostrando que en el país de los bancos también hay una escena DIY que sobrevive a punta de autogestión y ruido. Coilguns regresa a México para reafirmar que su relación con el público local no fue un romance de una sola noche. Estarán acompañados por los nacionales de Joliette y Tresseises, garantizando una racha de conciertos donde la elegancia no está invitada: 7 de mayo: Guadalajara 8 de mayo: Querétaro 9 de mayo: Ciudad de México Si buscas una experiencia reconfortante, quédate en casa viendo documentales sobre la naturaleza. Pero si quieres ver cómo se quema el relato de la neutralidad en vivo, ya sabes dónde estar.

El dúo originario de la Ciudad de México, conformado por Jack Sauz y Natalia Mora presenta “Solo Quería Saber”, una pieza que navega entre el pop y el nu-disco para recordarnos que, a veces, el miedo a perder es la forma más rápida de quedarse solo. El proyecto nació apenas el año pasado tras una conexión en los escenarios de la CDMX. El nombre GEKKO, que significa "luz de luna" en japonés, ya nos da una pista de que no vienen a cantar sobre arcoíris y finales felices. Al contrario, este debut se siente como esa primera carta del tarot que te dice que vas directo al precipicio. La canción es una mezcla bien lograda de sintetizadores y guitarras que envuelven la voz de Natalia, quien logra esa difícil tarea de sonar emocional sin caer en el berrinche. Producido por El Alcalde en el estudio El Diamante, el tema tiene ese aire de la música disco pero con la suciedad necesaria del pop actual. Es, básicamente, música para llorar en la pista de baile mientras finges que no te importa que ella ya decidió irse y no hay vuelta atrás. Si el nombre de Jack Sauz te suena, no es casualidad. Aunque GEKKO es su carta de presentación como proyecto principal, Jack ya tiene un rato moviéndole a las perillas en la industria mexicana. Ha trabajado en la producción y mezcla para talentos como Bruses y Humbe, lo que explica por qué este lanzamiento no suena para nada a una banda de garage aprendiendo a usar el software. Hay un colmillo detrás de la consola que sabe exactamente qué frecuencias tocar para que la melancolía se sienta de alta gama. “Solo Quería Saber” es el primer avance de un EP que promete seguir explorando las grietas del afecto. Si eres de los que prefiere alejarse "para no hacer daño" (o sea, alguien con miedo al compromiso pero con mucho estilo), ya tienes música nueva para tu próxima crisis.

Si hay alguien que ha perfeccionado el arte de sonar a los setenta sin haber vivido esa década (y de paso llenar cada lugar que pisan) es Enjambre, que acaba de anunciar que su gira Daños Luz no se detiene y que piensan recorrer medio México para asegurarse de que nadie se quede sin su ración de melancolía bailable. La banda liderada por Luis Humberto Navejas, ha confirmado siete nuevas fechas para finales de 2026. No se trata solo de presentar su nueva producción; es la excusa perfecta para que desempolves tus frustraciones amorosas mientras ellos ejecutan ese rock que suena a una mezcla entre Camilo Sesto y The Strokes. 2 de octubre: Foro GNP Seguros – Mérida 10 de octubre: Lienzo Charro – Cd. Juárez 16 de octubre: Auditorio Banamex – Monterrey 17 de octubre: Coliseo Centenario – Torreón 13 de noviembre: Teatro del Parque Tangamanga I – San Luis Potosí 14 de noviembre: El Domo de la Feria – León 20 de noviembre: Auditorio Telmex – Guadalajara El nombre del tour, Daños Luz, juega con la idea de la exposición y el desgaste, algo que se refleja en su puesta en escena que apuesta por una estética visual muy cuidada que parece sacada de un set de televisión de 1974. Si tienes ganas de sentir que el mundo se acaba pero con mucho estilo, ya sabes a dónde ir.

¿Cuántas veces has visto un cartel internacional que no te obligue a vender un riñón solo para entrar al área de baños? Parece que en San Luis Potosí alguien finalmente entendió que la economía del metalero promedio está más castigada que un platillo de batería, y por eso se aventaron la primera edición del San Luis Metal Fest. Los días 16 y 17 de mayo de 2026, el Teatro del Pueblo de la FENAPO dejará de lado los sombreros y las botas para recibir a más de 50 mil asistentes. Lo más increíble no es la cantidad de gente, sino que la entrada es gratuita. Eso sí, si no te registras en línea con tiempo, vas a terminar escuchando a Grave desde el estacionamiento mientras te arrepientes de tus decisiones de vida. Encabezando el caos organizado están los veteranos de Metal Church, quienes siguen en el mapa tras décadas de giras, y Armored Saint, con un John Bush que, para ser claros, sigue teniendo una voz más potente que cualquier vocalista de moda. Para los que prefieren que el sonido sea más oscuro y menos melódico, traen a Grave desde Suecia (death metal de la vieja escuela para que te sientas en 1991) y a Messiah, que vienen a poner el toque de thrash suizo que los más clavados sabrán apreciar. Si hay una banda que se va a robar el show, esa es Hellripper. El proyecto de James McBain es de lo más rápido y ruidoso que ha salido de Escocia en los últimos años; imaginen a Motörhead pero con un exceso de cafeína y oscuridad. Por otro lado, Crimson Glory regresa con su power metal progresivo para recordarnos que en los 80 también se usaban máscaras cromadas mucho antes de que se volvieran un accesorio comercial. El festival, operado por Sierra Centro Producciones y Medussa Entertainment, busca sacar el metal de las ciudades de siempre para llevarlo al centro del país. Habrá comida local y pabellones de arte para que gastes lo que te ahorraste en el boleto. Si esto sale bien, San Luis Potosí dejará de ser solo la ciudad de las enchiladas para ser el nuevo epicentro del ruido pesado en México.

¿En qué momento exacto decidimos que el Nü Metal de los dos mil y el tango eran una combinación ganadora? Probablemente en el mismo instante en que MUÑEKI77A decidió que ser una modelo internacional no era suficiente y que necesitaba escupir verdades con un bandoneón de fondo. Su nuevo sencillo, “Tita”, es el resultado de ese choque cultural que, contra todo pronóstico, no termina en un accidente de tránsito sonoro. La artista argentina acaba de lanzar una propuesta que ella misma etiqueta como “gaucho-core”. Imagina a una banda de metal pesado tocando en medio del campo, rodeada de caballos y estética rural, pero con la agresividad de quien creció escuchando a Limp Bizkit. No es una ocurrencia de alcoba: aquí los instrumentos son reales y fueron grabados a la vieja escuela, huyendo de los samples genéricos que inundan el streaming actual. Lo que hace que este proyecto no se sienta como un capricho es la gente que le cuida la espalda. La producción está firmada por Macabre y Agustín Rocino, nombres que cualquier entusiasta del rock en español reconocerá por haber formado parte de Catupecu Machu. Esa mano se nota en la arquitectura del sonido; no es una chica jugando a ser rebelde, es una estructura sónica diseñada para que te duelan las cervicales. “Este último tiempo me pregunté cómo destacarme en el metal internacional siendo latina. En lugar de buscar afuera, decidí mirar hacia mis raíces: mi infancia en el campo en Entre Ríos, rodeada de gauchos —mi familia—, montando a caballo y yendo a peñas. Ahí entendí que la respuesta siempre había estado conmigo.” Además de componer, MUÑEKI77A se encargó manualmente del vestuario y el arte del video. Sí, mientras tú procrastinas, ella está cosiendo cuero y diseñando una identidad visual visceral que rinde tributo a Tita Merello, la "Morocha Argentina" que en los años 20 ya tenía más pantalones que la mitad de la escena actual. “Tita” es una pieza que muerde, que tiene identidad. Si buscas algo predecible para poner de fondo mientras limpias la casa, sigue buscando. Esto es para quienes prefieren que la música les pegue un par de gritos bien dados.

El proyecto de Diego Romero, un tipo que con apenas 23 años ya puede presumir en su currículum haberle movido a las teclas para gente como Jay de la Cueva o Paz Lenchantin (sí, la bajista de los Pixies, poca cosa), acaba de lanzar Estimulación Temprana. El título suena a programa de guardería para niños genio, pero en realidad son siete pistas de un pop que no sabe si quiere ser una caricia o un corto circuito. El EP es breve, dura apenas veinte minutos, lo cual se agradece en una época donde los artistas creen que necesitamos álbumes de 25 canciones para validar su existencia. Aquí, Romero se pasea por el IDM, el R&B y algo que llaman hyperjazz (básicamente jazz para gente que consume demasiado azúcar). La joya de la corona es "Piénsame Más", una pieza que empieza muy modosita y termina en un viaje psicodélico Pero si de verdad quieres entender de qué va este rollo, hay que llegar a "Caracol". Es minimalista, frágil y tiene ese aire de Daniel Johnston que te hace querer abrazar al músico o preguntarle si todo está bien en casa. Para que este experimento no se quedara en un capricho de alcoba, Diego se rodeó de gente que sí sabe qué está haciendo. En las guitarras aparece SHAO (colaborador de Girl Ultra y Daniel Quien) y en la mezcla metió mano Wet Baes, lo que garantiza que, aunque la propuesta sea rara, suena impecable. “Estimulación Temprana es pop pegajoso hecho desde la experimentación, no a pesar de ella.” -Diego Romero Antes de lanzarse como solista, el oriundo de Toluca se curtió en la escena del jazz nacional, lo que explica por qué sus canciones tienen estructuras que harían llorar a cualquier reguetonero promedio. Además, su paso por los escenarios con Jesse Baez le dio ese barniz de R&B contemporáneo que evita que su lado experimental se vuelva insoportable. Estimulación Temprana es, en resumen, un debut que muerde pero con dientes de leche. Es pretencioso de la manera correcta. Si buscas algo que no sea el mismo sonido reciclado de siempre, dale una oportunidad.