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Si pensabas que el panorama del metal alternativo en Latinoamérica ya lo había visto todo, llega MUÑEKI77A para demostrarte que siempre se puede empujar la frontera un paso más allá. Tras el desconcierto y la fascinación que provocó su anterior sencillo “Tita”, la artista regresa con “Zamba Enchilada”, el segundo corte de adelanto de su próximo álbum de estudio. ¿La receta? Un cóctel lisérgico que fusiona la ternura de la cultura kawaii, la violencia del metal extremo y las raíces profundas del folklore argentino. “Este último tiempo me pregunté cómo destacarme en el metal internacional siendo latina. En lugar de buscar afuera, decidí mirar hacia mis raíces: mi infancia en el campo en Entre Ríos, rodeada de gauchos —mi familia—, montando a caballo y yendo a peñas. Ahí entendí que la respuesta siempre había estado conmigo.” Esta nueva entrega no solo estira los límites del género, sino que la consolida formalmente como la pionera absoluta del folk-core alternativo en la región, creando un puente sonoro impensable entre las llanuras pampeanas y los subgéneros más densos del underground mundial. “Zamba Enchilada” es, ante todo, una declaración de guerra a los puristas. La canción se edifica sobre el tradicional compás de 3/4 de la zamba argentina, pero subvierte su cadencia melancólica al inyectarle una descarga de adrenalina pura. Lejos de recurrir a samples genéricos de computadora, una de las premisas más estrictas de este álbum es que todos los instrumentos fueron ejecutados por músicos reales. El resultado es un choque orgánico donde el retumbar de un bombo leguero y los lamentos del bandoneón conviven en un equilibrio quirúrgico con guitarras hiperdistorsionadas y baterías que avanzan a velocidades destructivas. MUÑEKI77A es una artista integral que concibe su proyecto como una experiencia multidisciplinaria. Al ser también artista visual, ella misma diseñó y confeccionó a mano todo el vestuario y el concepto artístico que se despliega en el videoclip oficial (dirigido por Jesús “buoh” Pérez y producido por Fidedignin). Esta estética, bautizada por la propia creadora como “gaucho-core”, mezcla las bombachas de campo y los ponchos tradicionales con elementos del anime, el cuero y los remaches del metal. Si te aburren las fórmulas repetitivas de las plataformas y buscas un proyecto que se atreva a experimentar con la tradición desde un lugar genuino, disruptivo y vanguardista, "Zamba Enchilada" es una parada obligatoria en tu radar musical.

Foto: Rachel Brennecke Si el anterior adelanto de Glera nos sumergía en una madrugada contemplativa y susurrada, Marco Benevento ha decidido dar un volantazo absoluto para recordarnos que su música también es sinónimo de juego, irreverencia y sudor. El virtuoso tecladista acaba de liberar un hipnótico video en vivo para “Big Top”, registrado directo desde las entrañas del legendario Diamond Mine Studio. El resultado es exactamente lo que promete el título: la banda sonora para el circo más psicodélico, bailable y funk que te puedas imaginar. La sesión arranca sin contemplaciones: unos potentes acordes de órgano y el extrañísimo grito de unos pavos reales (grabados de manera ambiental justo afuera de la puerta del estudio) sirven de preámbulo para que entre una locomotora rítmica inconfundible. En esta versión, Benevento se sienta al frente de un exótico órgano Wurlitzer Centura, desatando pasajes repletos de texturas retro. Lejos de apoyarse en un bajo eléctrico tradicional para sostener el peso del tema, la canción echa mano de líneas de tuba que impulsan el groove con ese vaivén característico de las bandas de Nueva Orleans, permitiendo que los arreglos crezcan, se replieguen y respiren con una fluidez pasmosa. Glera, el álbum que tardó tres años en madurar bajo la influencia del cine italiano clásico y el jazz que desafía etiquetas, sigue demostrando una versatilidad brutal. "Big Top" es la prueba de que se puede ser un músico con un bagaje técnico impecable sin perder la capacidad de divertirse y hacer mover el cuerpo a la audiencia.

Foto: Fernanda Labastida La cantautora venezolana Valentina Tross decidió que, en lugar de mirar hacia otro lado, la mejor opción era meter las manos en ese lodo emocional y transformarlo en música. Su nuevo sencillo, “Sed”, funciona como el banderazo de salida para una etapa creativa mucho más madura, cruda y sofisticada dentro de su propuesta de pop alternativo en español. “Escribí ‘Sed’ en un momento en el que quería algo que, moralmente, no era correcto querer. Explora mucho ese impulso interno de querer hacer algo que sabes que está mal”, comparte Valentina Tross. “Después de escribirla, me di cuenta de que estaba muy atada a mi propio sistema de creencias. Al final, eso no es algo que elegimos; es algo que se nos impone o que se nos enseña”. La canción es una exploración incómoda sobre el conflicto interno entre el instinto y la moralidad. Valentina Tross se planta frente al micrófono para desmenuzar el debate entre la tentación y la culpa, cuestionando hasta qué punto somos dueños de lo que deseamos o si simplemente estamos domesticados por las reglas, la educación y las creencias religiosas que cargamos en la espalda sin haberlas elegido. “Ese es mucho el tema del proyecto en general: qué cosas son nuestras y qué cosas no”, “No nos cuestionamos por qué esos impulsos están ahí; muchas veces solo buscamos reprimirlos”. "Sed" es una invitación a mirar las sombras propias sin miedo y a aceptar que la vulnerabilidad también puede ser oscura. Si estás buscando música con texturas densas, profundidad lírica y una producción que se atreva a salir de la zona de confort del pop tradicional, el nuevo capítulo de Valentina Tross merece un espacio prioritario en tus listas de reproducción.

Foto: Rachel Brennecke Hay músicos que tocan el piano y otros que, como Marco Benevento, utilizan todo el estudio de grabación como si fuera un teclado gigante. El virtuoso instrumentista y productor estadounidense acaba de lanzar “I Can’t Control This Bliss”, un nuevo adelanto de lo que será su próximo álbum de estudio, Glera. Para esta entrega, Benevento decide bajar las revoluciones y aliarse con las texturas hipnóticas de Dream Crease y la coproducción del infalible Leon Michels (El Michels Affair), entregando una pieza que se mueve entre el misticismo nocturno y el confort de los ritmos lo-fi. Con una trayectoria que incluye colaboraciones tan diversas como créditos junto a Clairo y Leon Bridges, o haber compartido escenario con titanes del hip-hop underground como Freddie Gibbs y Madlib, Marco Benevento ha demostrado que el jazz contemporáneo no tiene por qué ser aburrido ni pretencioso. “I Can’t Control This Bliss” arranca desde una intimidad minimalista absoluta. La voz susurrante y etérea de Dream Crease funciona como un imán que te va sumergiendo poco a poco en una atmósfera cálida y exuberante, donde las características e ingeniosas líneas de piano de Marco van salpicando todo el recorrido. La canción evoluciona de manera tan fluida que, para cuando te das cuenta, ya estás atrapado en una orquestación robusta y psicodélica, ideal para musicalizar el viaje de regreso a casa de madrugada o esas horas muertas donde el mundo parece estar en pausa. Glera promete ser un viaje dinámico capaz de saltar de la tensión de una escena de persecución a la paz de un pasaje contemplativo en un par de compases.

Foto: Mariana Alexander Si alguna vez has movido el pie rítmicamente escuchando un disco de Amy Winehouse, Solange, Adele o Bruno Mars, es casi un hecho de que el pulso que estabas sintiendo le pertenece a Homer Steinweiss. Ahora, uno de los bateristas más codiciados, prolíficos y respetados de la industria moderna ha decidido salir de la sala de máquinas para tomar el control absoluto de su proyecto solista. Su nueva carta de presentación se titula “The Love and the Laughter”. Este lanzamiento marca el inicio de una nueva era para el músico neoyorquino, quien, tras atravesar cambios personales profundos y cerrar el ciclo de su anterior proyecto (Holy Hive), encontró en el estudio de grabación el refugio perfecto para reconstruirse. En colaboración con Marco Benevento, Chris Connors y la pluma de Kendra McKinley, Homer construye un ecosistema sonoro muy particular. La rola se sostiene sobre un groove de batería terrenal e implacable (como era de esperarse del rey del backbeat moderno), mientras que las texturas vocales flotan encima con un aire etéreo que coquetea con el gospel coral. Dar el salto de ser el músico de sesión perfecto a convertirse en el arquitecto de tu propio álbum requiere cambiar el chip por completo. Homer lleva desde los primeros años de la década de los dos mil siendo una pieza angular en el resurgimiento global del retro soul, pero este material, cobijado por el exquisito sello Big Crown Records, representa su debut como productor integral. A nivel técnico, esto significa que el diseño de audio obedece a la mente de un percusionista. En "The Love and the Laughter", la batería no está ahí solo para mantener el tiempo detrás de una diva del pop; el ritmo dicta la estructura armónica y emocional de la canción. La manera en que Homer microfonea y mezcla sus tambores (con ese tono análogo, seco y polvoriento del soul de los setenta) contrasta maravillosamente con la frescura digital de los sintetizadores y arreglos de dormitorio, creando un puente perfecto entre la nostalgia y el futuro.

El circuito del pop independiente en España sigue exportando joyas que entienden la música no solo como entretenimiento, sino como una catarsis colectiva. Tras haber conquistado plazas clave en su tierra natal, la banda madrileña Merino ha anunciado formalmente su desembarco en territorio mexicano para ofrecer un concierto íntimo el próximo sábado 26 de septiembre de 2026 en el foro Rebel Rebel, ubicado en el corazón de la colonia Juárez de la Ciudad de México. Los madrileños llegan precedidos por una racha impecable: acaban de colgar el cartel de Sold Out en La Sala del WiZink Center (Movistar Arena) de Madrid, fueron galardonados como Mejor Artista Revelación en los premios Más Músicas y compartieron carretera recientemente con leyendas de la talla de La Oreja de Van Gogh durante varias fechas de su gira de reencuentro. Su presentación en la CDMX marcará el banderazo de salida para una ambiciosa gira de salas diseñada para expandir el universo de su aclamado disco El Bosque. La propuesta de Merino se autodefine como "pop de alto voltaje emocional", una etiqueta que cobra sentido cuando se escuchan sus composiciones. No temen transitar entre melodías suaves que aprietan el pecho y estribillos monumentales diseñados para saltar con los ojos cerrados. Lo que rescata a Merino de ser una banda de pop genérica es el balance técnico entre la producción sintética contemporánea y la escuela del pop-rock clásico español. En las canciones de El Bosque, los arreglos de sintetizadores no se usan como mero relleno decorativo; funcionan como la base rítmica sobre la que se montan guitarras orgánicas con texturas muy cuidadas y una interpretación vocal que prioriza la claridad de la palabra. La cita está pactada y los accesos ya se pueden conseguir a través de Passline. La noche del 26 de septiembre se siente como una apuesta obligada.

El romance tradicional y los géneros de época están viviendo una segunda juventud en manos de las nuevas generaciones de cantautoras independientes, y el panorama se pone aún más interesante con la llegada de Karla Sández. La compositora originaria de Baja California Sur, pero afincada en la Ciudad de México, acaba de liberar en plataformas digitales “no me olvides”, el primer sencillo oficial de su próximo EP de debut en solitario, donde nacen las flores, programado para salir a la luz durante la segunda mitad de este 2026. Tras haber explorado terrenos mucho más pop en su etapa previa bajo el alias de Karlanasty —con el que entregó el EP Últimos 30 Días—, Karla Sández decide dar un vuelco hacia las raíces de la música latina. En esta nueva faceta, la artista echa mano de la elegancia acústica del bolero y lo pasa por un filtro contemporáneo y delicado, creando una balada que se siente como un refugio en medio del caos moderno. “no me olvides”; es un recordatorio poético sobre la permanencia y el miedo inherente a desvanecerse de la memoria de alguien a quien se amó profundamente. Tomando como metáfora la pequeña flor lila (símbolo clásico del recuerdo y la fidelidad), la melodía entrelaza la suavidad de las guitarras acústicas con una atmósfera flotante y dreamy, ideal para quienes disfrutan de las composiciones que se sienten como un abrazo melancólico a altas horas de la noche. Con este primer adelanto, donde nacen las flores se perfila como una de las propuestas más sinceras y estéticas para cerrar el año musical.

Hay canciones que se quedan grabadas en el ADN de una época, y para el rock alternativo mexicano de la década de los dos mil, “Abril O'neal” es definitivamente una de ellas. Bengala ha decidido que la mejor forma de alimentar la expectativa por su regreso no es con pirotecnia ni arreglos modernos, sino abriendo el baúl de los recuerdos para lanzar el demo inédito de este tema. Es una versión cruda, visceral y sin filtros que nos permite espiar por la cerradura del estudio para escuchar cómo sonaba la banda antes de que el tema se convirtiera en un clásico coreado por miles. Lejos de ser un simple archivo de relleno para coleccionistas, esta pieza captura la urgencia de unos músicos jóvenes que grababan con las guitarras rugiendo al frente, menos pulidas pero con una carga de electricidad emocional que el tiempo no ha logrado desgastar. Es la fotografía acústica en blanco y negro de un clásico antes de pasar por el empaque de la producción final. El regreso de Bengala a los escenarios ha dejado claro que el público mexicano tiene una memoria afectiva a prueba de balas. Su concierto programado para el 19 de septiembre en el Lunario del Auditorio Nacional colgó el letrero de Sould Out, lo que obligó a la banda a abrir una segunda fecha (que técnicamente será la primera) el 18 de septiembre. Para los entusiastas del sonido, escuchar un demo de la era del indie-rock mexicano de mediados de los dos mil es una delicia por el uso de la compresión y la saturación análoga. En aquella época, las bandas maquetaban muchas veces en grabadoras de cinta de pocos canales o en las primeras interfaces digitales independientes.

Jota Moore, a quien muchos recordarán por su etapa dentro de Whiplash, ha decidido quemar las naves del confort y apostar todo por su identidad en solitario. Su álbum debut independiente, Autosabotaje, llega a plataformas digitales este viernes 29 de mayo, presentándose como un manifiesto crudo y autogestionado desde la trinchera de la independencia total. Lejos de los presupuestos inflados de las grandes disqueras, el músico y productor regiomontano construyó este material desde su propia casa, utilizando la autogestión como su principal herramienta de diseño sónico. El resultado es un sonido que se debate constantemente entre la amabilidad melódica del pop y la distorsión catártica del rock, funcionando como un diario íntimo sobre la reconstrucción personal. El verdadero mérito de un disco como Autosabotaje radica en el desafío técnico de la producción dormitorio (bedroom pop/rock) llevada al límite profesional. Cuando un artista opera como compositor, instrumentista, ingeniero de grabación y productor en su propio hogar, se enfrenta al reto de lograr que las guitarras crudas y las baterías programadas tengan la misma pegada competitiva que un disco grabado en un estudio comercial. Moore aprovecha este aislamiento creativo para experimentar con texturas digitales y distorsiones orgánicas; cada capa de sintetizador y cada imperfección vocal están puestas ahí con una intención narrativa clara. Para trasladar este experimento casero al calor de los amplificadores, Jota Moore ha confirmado las primeras fechas de presentación oficial con shows aptos para todas las edades. Boletos disponibles a través de PASSLINE

¿Quién dice que de una ruptura amorosa de diez años, un bloqueo creativo y una lesión física solo se pueden componer baladas tristes para escuchar en la oscuridad? Sam Hales, decidió hacer exactamente lo contrario: procesar el colapso de su vida personal y convertirlo en un festín de electro-pop luminoso. La banda australiana regresa a la Ciudad de México el próximo 24 de octubre para presentarse en el Foro Puebla 186, trayendo bajo el brazo su material más ambicioso y honesto hasta la fecha: Experiencing Feelings Of Joy. El cuarteto de Brisbane ya se siente como en casa cada vez que pisa territorio mexicano. Tras haber dejado un gran sabor de boca en festivales de la talla del Corona Capital y abarrotar el Lunario, esta vez regresan a un formato mucho más íntimo y sudoroso, ideal para probar en vivo las texturas de un álbum que funciona como un manual de reconstrucción emocional. El sucesor de su exitoso Love Signs (que llegó al número uno en Australia) no es un disco complaciente. Hales compuso gran parte de este trabajo en un momento de agotamiento absoluto, pero en lugar de tirar la toalla, encontró en el estudio una vía de escape. El resultado es un catálogo de canciones vibrantes donde la euforia y la vulnerabilidad conviven en la misma frecuencia. El verdadero valor de The Jungle Giants radica en que, a pesar de sonar como una banda de club hiperproducida, todo el peso creativo e instrumental recae en Sam Hales. Él no es solo el vocalista carismático; Opera como productor absoluto y multiinstrumentista en el estudio, grabando él mismo las líneas de bajo, las baterías electrónicas y programando los sintetizadores antes de montar el show con el resto de la banda (Cesira, Andrew y Keelan). Para Experiencing Feelings Of Joy, la evolución técnica es notable: abandonaron los loops puramente digitales del disco anterior para arriesgarse con la complejidad acústica de una sección de cuerdas real. Lograr que esos arreglos clásicos se fundan con un bajo con vibra funk y un beat de música house sin que suene saturado es una cátedra de mezcla y producción que los melómanos van a disfrutar enormemente con la acústica del Foro Puebla.

La Feria Nacional Potosina acaba de demostrar que sabe jugar a dos bandas: mientras sacude la conversación digital trayendo a la realeza del pop de estadios y del rock global, decide amarrar su identidad en la tierra. Desde el Museo Laberinto de las Ciencias y las Artes, la presentación de la imagen oficial de la FENAPO 2026 reveló un concepto que se aleja de los logos corporativos aburridos para apostar por la fantasía local, todo esto acompañado de la confirmación de las fechas exactas que ordenarán el caos musical de agosto. El concepto de este año se titula “Una aventura mágica”, un cuento infantil que sigue a Citla y Tona, dos niños huastecos que, guiados por su amigo imaginario Dhipak (la deidad del maíz en la mitología tének), recorren las cuatro regiones del estado. Es un guiño bien ejecutado al orgullo potosino que servirá de marco para recibir una oleada de turismo que promete reventar la capacidad hotelera de la región. Para que dejes de especular con los días y empieces a tramitar tus vacaciones, aquí tienes la distribución oficial de los dos escenarios principales del 7 al 30 de agosto: 7 de agosto: Gloria Trevi (Inauguración) 8 de agosto: Mötley Crüe 9 de agosto: Lila Downs 10 de agosto: Yandel Sinfónico 11 de agosto: Influencers Mexicanos 12 de agosto: El Bogueto 13 de agosto: Xavi 14 de agosto: Ramón Ayala 15 de agosto: Óscar Maydon 16 de agosto: Chihuahua Fest (La Maquinaria Norteña, Fiera de Ojinaga y más) 18 de agosto: Bizarrap (BZRP) 19 de agosto: Sin Bandera 20 de agosto: Kenia Os 21 de agosto: Los Herederos de Nuevo León / Laberinto 22 de agosto: Los Huracanes del Norte 23 de agosto: Los Acosta 25 de agosto: Katy Perry (Día de San Luis Rey) 26 de agosto: Santa Fe Klan 27 de agosto: El Potosinazo (Vagón Chicano y Legítimo) 28 de agosto: Alameños de la Sierra 30 de agosto: Los Tigres del Norte (Clausura masiva) Y en el palenque: 7 de agosto: Remmy Valenzuela 8 de agosto: Luis R. Conríquez 9 de agosto: Conjunto Primavera 13 de agosto: María José 14 de agosto: Matute 15 de agosto: Pesado e Invasores de Nuevo León 16 de agosto: Cornelio Vega 20 de agosto: Horóscopos de Durango 21 de agosto: Grupo Firme 23 de agosto: Ha*Ash 27 de agosto: Emmanuel & Mijares 28 de agosto: Marca Registrada 29 de agosto: Edén Muñoz 30 de agosto: Julión Álvarez Si pones atención al calendario del Foro de las Estrellas, la fecha de Katy Perry (25 de agosto) no es ninguna coincidencia aleatoria. Ese día se celebra a San Luis Rey de Francia, el santo patrono de la ciudad. Traer un espectáculo de ese calibre para la fiesta patronal sustituye los fuegos artificiales tradicionales por una producción de pop californiano, marcando un precedente rarísimo en la historia de las festividades locales. Por otro lado, la logística del 30 de agosto va a ser un estudio de caso para los ingenieros de audio: mientras Los Tigres del Norte retumban en el espacio abierto del Foro de las Estrellas, Julión Álvarez estará haciendo lo propio bajo el techo del Palenque. Dos de las fuerzas más destructivas en cuanto a convocatoria de masas en todo México cerrando la feria de manera simultánea. La mesa está puesta, la imagen infantil de Citla y Tona le dará identidad a los vasos y lonas, y los escenarios ya tienen dueño. Te vemos en la mejor feria del país, del 7 al 30 de agosto. #FENAPO2026

La presentación oficial del elenco definitivo de la Feria Nacional Potosina 2026 acaba de dinamitar cualquier expectativa lógica. El gobernador Ricardo Gallardo Cardona anunció la bomba definitiva desde el Museo Laberinto de las Ciencias: Katy Perry es la artista internacional que encabezará esta edición, consolidando un cartel gratuito que, francamente, parece diseñado por un algoritmo obsesionado con romper el internet. Del 7 al 30 de agosto, San Luis Potosí se convertirá en el epicentro del surrealismo pop y la cultura popular. No bastando con traer a la intérprete de "Firework" y "California Gurls" sin cobrar un solo peso la entrada, la organización anunció que la clausura será un doble golpe de autoridad con Los Tigres del Norte y Julión Álvarez compartiendo el escenario. La cartelera final de la FENAPO 2026 funciona como un retrato sin filtros de todo lo que suena en los audífonos de México. Al tener a Guanajuato como estado invitado, la oferta de entretenimiento se expande en un espacio donde convivirán de forma gratuita Traer a una artista de la escala de Katy Perry al Foro de la FENAPO implica un reto logístico y de infraestructura técnica que va mucho más allá de colgar unas cuantas bocinas. Los espectáculos de la originaria de Santa Bárbara son conocidos mundialmente por sus exigencias de producción de gran formato. Ya que los shows de Katy Perry manejan una carga masiva de iluminación robótica y efectos especiales (pirotecnia fría, lanzadores de confeti y láseres) que requieren una infraestructura eléctrica de nivel de estadio europeo. Ver este despliegue técnico con acceso completamente libre es, técnicamente hablando, un hito para las ferias de México. Con estacionamiento, entrada, juegos mecánicos y esta cartelera multinivel completamente gratis, la edición 2026 se perfila para registrar llenos históricos. #FENAPO2026