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¿Cuántas veces has visto un cartel internacional que no te obligue a vender un riñón solo para entrar al área de baños? Parece que en San Luis Potosí alguien finalmente entendió que la economía del metalero promedio está más castigada que un platillo de batería, y por eso se aventaron la primera edición del San Luis Metal Fest. Los días 16 y 17 de mayo de 2026, el Teatro del Pueblo de la FENAPO dejará de lado los sombreros y las botas para recibir a más de 50 mil asistentes. Lo más increíble no es la cantidad de gente, sino que la entrada es gratuita. Eso sí, si no te registras en línea con tiempo, vas a terminar escuchando a Grave desde el estacionamiento mientras te arrepientes de tus decisiones de vida. Encabezando el caos organizado están los veteranos de Metal Church, quienes siguen en el mapa tras décadas de giras, y Armored Saint, con un John Bush que, para ser claros, sigue teniendo una voz más potente que cualquier vocalista de moda. Para los que prefieren que el sonido sea más oscuro y menos melódico, traen a Grave desde Suecia (death metal de la vieja escuela para que te sientas en 1991) y a Messiah, que vienen a poner el toque de thrash suizo que los más clavados sabrán apreciar. Si hay una banda que se va a robar el show, esa es Hellripper. El proyecto de James McBain es de lo más rápido y ruidoso que ha salido de Escocia en los últimos años; imaginen a Motörhead pero con un exceso de cafeína y oscuridad. Por otro lado, Crimson Glory regresa con su power metal progresivo para recordarnos que en los 80 también se usaban máscaras cromadas mucho antes de que se volvieran un accesorio comercial. El festival, operado por Sierra Centro Producciones y Medussa Entertainment, busca sacar el metal de las ciudades de siempre para llevarlo al centro del país. Habrá comida local y pabellones de arte para que gastes lo que te ahorraste en el boleto. Si esto sale bien, San Luis Potosí dejará de ser solo la ciudad de las enchiladas para ser el nuevo epicentro del ruido pesado en México.

¿En qué momento exacto decidimos que el Nü Metal de los dos mil y el tango eran una combinación ganadora? Probablemente en el mismo instante en que MUÑEKI77A decidió que ser una modelo internacional no era suficiente y que necesitaba escupir verdades con un bandoneón de fondo. Su nuevo sencillo, “Tita”, es el resultado de ese choque cultural que, contra todo pronóstico, no termina en un accidente de tránsito sonoro. La artista argentina acaba de lanzar una propuesta que ella misma etiqueta como “gaucho-core”. Imagina a una banda de metal pesado tocando en medio del campo, rodeada de caballos y estética rural, pero con la agresividad de quien creció escuchando a Limp Bizkit. No es una ocurrencia de alcoba: aquí los instrumentos son reales y fueron grabados a la vieja escuela, huyendo de los samples genéricos que inundan el streaming actual. Lo que hace que este proyecto no se sienta como un capricho es la gente que le cuida la espalda. La producción está firmada por Macabre y Agustín Rocino, nombres que cualquier entusiasta del rock en español reconocerá por haber formado parte de Catupecu Machu. Esa mano se nota en la arquitectura del sonido; no es una chica jugando a ser rebelde, es una estructura sónica diseñada para que te duelan las cervicales. “Este último tiempo me pregunté cómo destacarme en el metal internacional siendo latina. En lugar de buscar afuera, decidí mirar hacia mis raíces: mi infancia en el campo en Entre Ríos, rodeada de gauchos —mi familia—, montando a caballo y yendo a peñas. Ahí entendí que la respuesta siempre había estado conmigo.” Además de componer, MUÑEKI77A se encargó manualmente del vestuario y el arte del video. Sí, mientras tú procrastinas, ella está cosiendo cuero y diseñando una identidad visual visceral que rinde tributo a Tita Merello, la "Morocha Argentina" que en los años 20 ya tenía más pantalones que la mitad de la escena actual. “Tita” es una pieza que muerde, que tiene identidad. Si buscas algo predecible para poner de fondo mientras limpias la casa, sigue buscando. Esto es para quienes prefieren que la música les pegue un par de gritos bien dados.

El proyecto de Diego Romero, un tipo que con apenas 23 años ya puede presumir en su currículum haberle movido a las teclas para gente como Jay de la Cueva o Paz Lenchantin (sí, la bajista de los Pixies, poca cosa), acaba de lanzar Estimulación Temprana. El título suena a programa de guardería para niños genio, pero en realidad son siete pistas de un pop que no sabe si quiere ser una caricia o un corto circuito. El EP es breve, dura apenas veinte minutos, lo cual se agradece en una época donde los artistas creen que necesitamos álbumes de 25 canciones para validar su existencia. Aquí, Romero se pasea por el IDM, el R&B y algo que llaman hyperjazz (básicamente jazz para gente que consume demasiado azúcar). La joya de la corona es "Piénsame Más", una pieza que empieza muy modosita y termina en un viaje psicodélico Pero si de verdad quieres entender de qué va este rollo, hay que llegar a "Caracol". Es minimalista, frágil y tiene ese aire de Daniel Johnston que te hace querer abrazar al músico o preguntarle si todo está bien en casa. Para que este experimento no se quedara en un capricho de alcoba, Diego se rodeó de gente que sí sabe qué está haciendo. En las guitarras aparece SHAO (colaborador de Girl Ultra y Daniel Quien) y en la mezcla metió mano Wet Baes, lo que garantiza que, aunque la propuesta sea rara, suena impecable. “Estimulación Temprana es pop pegajoso hecho desde la experimentación, no a pesar de ella.” -Diego Romero Antes de lanzarse como solista, el oriundo de Toluca se curtió en la escena del jazz nacional, lo que explica por qué sus canciones tienen estructuras que harían llorar a cualquier reguetonero promedio. Además, su paso por los escenarios con Jesse Baez le dio ese barniz de R&B contemporáneo que evita que su lado experimental se vuelva insoportable. Estimulación Temprana es, en resumen, un debut que muerde pero con dientes de leche. Es pretencioso de la manera correcta. Si buscas algo que no sea el mismo sonido reciclado de siempre, dale una oportunidad.

La zacatecana decidió que ya era hora de dejar de culpar a los demás y empezar a cuestionarse por qué su propia compañía le resultaba tan incómoda. Su nuevo disco, "Mirar Adentro", lanzado este mes de abril, es básicamente el resultado de lo que pasa cuando finalmente te quedas solo en casa sin Wi-Fi y no te queda de otra más que hablar contigo mismo. Pero ojo, que no es el típico discurso motivacional. Aquí Nat se mete en el lodo de la ansiedad, el burnout y ese delicioso síndrome del impostor que a todos nos encanta cargar. Lo interesante es que, musicalmente, Nat mandó a volar la etiqueta de "la chica con la guitarra" para armar un collage sonoro bastante ambicioso. Producido por Multiverso Rec, el álbum salta del bolero al indie rock y se atreve incluso con el danzón. El eje de todo este disco es "Perdón", una rola que funciona como el momento en el que dejas de ser el juez más nefasto de tu propia vida. En lugar de buscar culpables afuera, Nat admite que la peor relación tóxica que ha tenido es la que mantiene con ella misma. Para los que creen que Nat salió de la nada, hay que recordar que esta travesía empezó en Zacatecas. Antes de llenar recintos en la CDMX, Natalia Díaz se hizo un nombre subiendo covers a YouTube y Bandcamp con una estética que gritaba "estoy triste pero tengo estilo". Un dato curioso es que su nombre artístico nació de una mezcla entre el símbolo @ (porque, ya sabes, generación internet) y su nombre abreviado, algo que hoy suena a 2012, pero que se convirtió en una marca de culto en el indie mexicano. "Mirar Adentro" no es un disco para que te sientas mejor mágicamente, es más bien un espejo sin filtro de belleza. Si estás listo para dejar de huir de ti mismo y quieres hacerlo con una buena dosis de distorsión y melancolía inteligente, dale una escuchada.

¿Alguna vez te has mirado al espejo después de una mala semana y no tienes ni idea de quién es el tipo que te está regresando la mirada? Si la respuesta es sí, felicidades, ya puedes entrar al club de los confundidos que lidera Tino El Pingüino. Tras el trabalenguas que fue su primer sencillo (“Kaomojis con Ojos de Relojes de Arena”, que todavía nadie puede pronunciar de corrido), el Tino regresa con “Mil Caras”, una rola que es básicamente una autopsia a su propia mente. En una época donde el rap parece resumirse en "presumir lo que no tengo" y "usar más autotune que una boyband", Tino decide irse por el camino difícil. “Mil Caras” es una mezcla de rap alternativo con una agresividad lírica que se siente como si te estuvieran leyendo la cartilla en una calle oscura. La rola está llena de imágenes surrealistas y críticas ácidas a la sociedad, demostrando que este compa tiene más referencias literarias que todos los TikTokers de música juntos. Lo que hace Tino aquí es jugar con sus múltiples identidades. Se mueve entre la poesía y el gangsta rap con una facilidad que ya quisieran los que intentan copiarle el estilo. Es crudo, es honesto y, sobre todo, es incómodamente real. Franco Genel (o sea, el Tino) no es ningún improvisado. Lleva años siendo el referente del rap independiente en México, demostrando que no necesitas una disquera trasnacional para que tu pluma sea considerada la más maestra del género. Este sencillo no es solo un lanzamiento al azar; es el segundo adelanto de su próximo álbum, Kaomojis, que verá la luz el 28 de mayo. Si este track es un indicador de lo que viene, preparen el cerebro, porque el disco promete ser un viaje de esos que te dejan pensando en qué momento perdiste el rumbo de tu vida.

Foto: Henry Goodfellow Si ya tienes tus boletos (o vendiste un riñón) para ver a Harry Styles este verano en el Estadio GNP Seguros, prepárate, porque Jorja Smith acaba de presentar el video de "Price Of It All", una rola que suena a billetes y ese vacío que sientes cuando te das cuenta de que el éxito sale más caro que una renta en la Condesa. El tema no salió de la nada. Es el eje central de "Bait", la nueva serie de Prime Video creada por Riz Ahmed. Lo interesante es que el soundtrack no es la típica mezcla de canciones de relleno. Se metieron a buscar psicodelia paquistaní de los 70 y la mezclaron con sonidos modernos del Reino Unido. Un licuado cultural que suena bastante más decente que los remixes que escuchas en el transporte público. Si por alguna razón andas en Londres en agosto (quién fuera tú), Jorja también va a ser la mera jefa del festival All Points East, donde va a armar el cartel junto a Tems. O sea, la mujer anda imparable mientras nosotros seguimos decidiendo qué pedir de cenar. Este 2026 no es cualquier año para Jorja. Se cumplen 10 años desde que sacó "Blue Lights" y nos demostró que tiene una voz que te hace sentir cosas. Para festejar, la mujer se va a andar paseando por todo el mundo y, por supuesto, le va a abrir seis fechas al mismísimo Harry Styles en la Ciudad de México. Si quieres llegar al concierto de Harry Styles sabiendo algo más que las de One Direction, dale una escuchada a "Price Of It All". Es elegante, es intensa y nos prepara para ver a una de las mejores voces de su generación antes de que los gritos de las fans de Harry nos dejen sordos.

Hay una línea muy delgada entre el amor y la necedad, y Olas al Azar se acaba de estacionar justo encima de ella con su nuevo sencillo: “Desgraciado”. Si después de su rola "Primavera" pensaste que todo sería flores y renacimiento, prepárate, porque ahora nos trae el manual sonoro de cómo quedarte aferrado a un clavo ardiendo. La canción es un retrato de ese estado mental donde la ilusión pesa más que la lógica. Ya sabes, esa etapa donde proyectas toda una vida con alguien que solo te contesta con un emoji cada tres días. “Desgraciado” no intenta verse bonito; se mete en el lodo de la obsesión romántica y expone lo patético que puede ser confundir señales solo porque no queremos soltar el hueso. En lugar de sonar a la típica balada de despecho de radio comercial, musicalmente, la rola se mueve en un indie pop melancólico que empieza íntimo, casi como un secreto, y termina explotando cuando la realidad finalmente te da el bofetón que necesitabas. Lo interesante aquí es que Olas al Azar, quien le mete bastante a la creación audiovisual y al activismo en redes, usa este estreno para hablar de la identidad queer. No es solo sufrir por alguien; es la sensación de desear desde un lugar que el mundo a veces no valida. Es la lucha por encajar cuando te sientes fuera de lugar, pero con una honestidad que ya quisieran muchos artistas de plástico.

Foto: Ornelia Greco A una semana de publicar su nuevo disco, Saramalacara estrena el video de “EN LA OCULTA” , uno de los tracks más íntimos de MATADEROS . Filmado en el barrio donde creció, entre su casa de entonces, el skatepark de Mataderos, el barrio Los Perales y la Villa 15 (Ciudad Oculta) que da nombre al track, el video dirigido por Cruz Larrosa pone en primer plano ese territorio para volverlo protagonista. Todo se construye en cercanía: las camisetas verde y negro de Nueva Chicago —el emblemático club de fútbol del barrio—, las noches en el skatepark y las escenas en su cuarto no aparecen para explicar el barrio, sino para habitarlo desde adentro. “EN LA OCULTA” lleva esa misma lógica a lo sonoro, con producción de Aaron Shadro —reconocido por su trabajo en el pop junto a Camila Cabello y Yeat—, Lucian y Lukrative—vinculados al legendario colectivo de Opium y colaboradores de Playboi Carti, entre otros—, y Dayvan—productor ejecutivo del disco junto a Evar, ambos colaboradores de Sara desde sus comienzos—. Beats filosos y bajos saturados acompañan un relato donde la memoria irrumpe con fuerza: la adolescencia, los rituales del barrio, una versión de sí misma anterior a que todo cambiara.   El video se estrena una semana después del lanzamiento de MATADEROS , el segundo álbum de Saramalacara, que toma el nombre del barrio donde creció y trabaja sobre esa tensión entre pasado-presente-futuro a lo largo de sus 17 tracks. Publicado por Interscope Capitol Records y grabado en Los Ángeles, MATADEROS lleva esa marca en sus texturas industriales y en la nostalgia persistente de sus letras. A pesar de su alcance internacional, es la especificidad local lo que define esta nueva etapa de Saramalacara. El video de “EN LA OCULTA” lo vuelve visible: Mataderos no como fondo, sino como punto de partida. “Me parecía importante irme tan lejos de casa, hacer un disco con una major y aun así ponerle el nombre de mi barrio. Se llama MATADEROS porque las letras están muy atravesadas por la nostalgia, por el barrio en el que crecí toda mi vida. Es un lugar que está como en el medio, entre capital y provincia, y siento que mi música también habita ese intermedio, entre lo under y lo mainstream.” — Saramalacara Con MATADEROS , la artista argentina irrumpe en el mapa global del cloud rap y el rage contemporáneo de la mano de algunos de sus arquitectos, como Evilgiane y Eera de Surf Gang. Para este nuevo trabajo, reunió al núcleo de productores vinculados al colectivo Opium: F1lthy, Lucian, Lukrative y Ojivolta, y colaboradores de peso en la electrónica y el pop experimental como Dylan Brady (100 gecs, Skrillex), Casey MQ (Oklou), y Aaron Shadrow. El resultado es un retrato brutal y hermoso del ascenso y su origen, en el que Saramalacara afirma una visión que trasciende fronteras y exige atención.

Foto: Sara Messinger Diles que no me maten estrenan álbum el próximo 12 de junio de 2026, y ya nos adelantaron el primer golpe: “Hiriku” , un tema enérgico que se sale del molde reflexivo del disco pero que funciona como un umbral perfecto. Esa frase que repite Jonás Derbez como mantra “La mitad que soy no existe, y la mitad que existe no soy” es de las que te dejan pensando un rato largo. Es egocida, poética y un poco aterradora… justo lo que necesitamos para entrar en este nuevo universo. El álbum nació en un estudio improvisado en Santa María la Ribera, con Sebastián Rojas como productor. Ahí dejaron que las canciones se desarmaran y se volvieran a armar, con fallos técnicos que terminaron siendo felices accidentes (como esa intro “Las noches que dormimos en sillas” que empezó como un chiste gótico a lo Duke Ellington y terminó con saxo de Alain Derbez y toques de música funeraria de la Sierra Mixe de Oaxaca). El resultado es un álbum espiritual sin ser religioso, que fluye como agua: hermoso, mutable y un poco imposible de atrapar. "Escrito en Agua" está dedicado a dos figuras. La primera es la estrella de la mañana Tunuwame , patrona de cantantes y músicos según la mitología indígena del occidente de México. “Estrella tan distante, si te dejo de cantar me desperdiciaré” , canta Jonás en el tema de cierre del álbum, nombrado en honor a este cuerpo celeste. La segunda dedicatoria es para Mahmoud Darwish , ampliamente considerado el poeta nacional de Palestina, cuyos “poemas documentales” inspiraron a Jonás en varias canciones del disco de una manera inédita para él. “Simplemente está escribiendo el día a día de vivir en un estado sitiado, escribiendo sobre las pequeñas visiones que observa” , reflexiona. Son esas pequeñas visiones las que hacen de "Escrito en Agua" la obra que es: brillante sin pretensiones, fluyendo nota a nota hacia un gran desconocido lleno de posibilidades infinitas. Esa combinación de lo mítico, lo poético y lo profundamente humano es lo que hace que Diles que no me maten suene distinto a casi todo lo que está pasando en México ahora. La banda regresa con un disco que suena más deliberado y accesible, pero sin perder esa esencia de exploración lenta, krautrock improvisado y art rock nervioso que los caracteriza, además anunciaron una mega gira mundial que incluye más de 70 fechas: “Cuando dos o más personas que están perdidas se encuentran. Significa que no estaban perdidas, quiere decir que estaban a la deriva o derivando, con el corazón despierto que para estar despierto está soñando” Tour terrestre, Diles que no me maten Si te gusta la música que te hace pensar mientras te mueve, que mezcla lo experimental con lo emotivo y que se siente viva, “Escrito en Agua” va a ser de esos discos que escuchas completo y luego te quedas en silencio un rato.

Foto: Tigre Facil / Estudios Nacionales La banda de León, Guanajuato, marca un nuevo capítulo importante: su primer lanzamiento bajo Interscope y el primer sencillo de su segundo álbum que sale este año. Y la neta… arrancan fuerte. “Tus Palabras” es synth-pop con alma de R&B. La canción habla de eso que todos hemos vivido: una relación donde las palabras del otro te dan esperanza por cinco minutos y luego te dejan hecho mierda, lleno de ansiedad, confusión y ese cansancio emocional que no se quita ni durmiendo 12 horas. Es hipnótica, melancólica y adictiva, como esas conversaciones de madrugada que sabes que te van a hacer daño pero igual respondes. “‘Tus Palabras’ habla sobre el momento en el que nos comenzamos a desconocer y extrañamos versiones nuestras que ya no existen. Habla sobre la ansiedad que generan las palabras que nos decimos en momentos de desesperación por intentar recuperar aquello que sabemos que ya no puede volver. Es una especie de nostalgia generada por ya no ser quienes éramos antes, y la incertidumbre que acompaña el explorar quienes somos realmente en este presente donde añoramos el pasado.” - María Torres, vocalista El video refuerza todo: estética Y2K vintage de principios de los 2000, con los integrantes apareciendo en pantallas de televisión viejas. Es la imagen perfecta de la fragmentación emocional y ese ciclo tóxico de estar pendiente de lo que dice la otra persona como si fuera oxígeno. Disco Bahía sigue haciendo lo que mejor les sale: mezclar nostalgia con sonido actual, sin caer en lo cursi ni en lo pretencioso. Tienen ese toque elegante pero con sentimiento de verdad, y “Tus Palabras” es la prueba de que están maduros y más filosos que nunca.

“Letras Chiquitas” marca el inicio de una nueva fase para Entre Compas, un proyecto que sigue creciendo sin perder la esencia que lo llevó a conectar con su audiencia desde el Vol. 1. En este nuevo capítulo, Charles Ans, DAAZ, Caztro y Yubeili abren la puerta a un nuevo “compa”: Sabino, quien se integra de forma natural a la dinámica del colectivo. La canción se construye a partir de una idea sencilla pero profundamente identificable: ese momento en el que descubres que la persona de la que te enamoraste no era exactamente como pensabas. La comparación con no haber leído las letras chiquitas de un contrato aterriza el concepto en un terreno cotidiano, logrando que la narrativa fluya con honestidad y cercanía. En lo sonoro, el tema mantiene la línea que definió al primer volumen del proyecto, apostando por una continuidad que responde directamente a la conexión que ya existe con su público. La producción, a cargo del colombiano La Loquera, acompaña esta evolución sin romper con la identidad que Entre Compas ha construido. Más que un sencillo, “Letras Chiquitas” funciona como una declaración de intención: una nueva etapa que amplía el universo del proyecto, suma voces y fortalece su esencia colaborativa. La incorporación de Sabino no solo aporta frescura, sino que también marca el tono de lo que viene para Entre Compas en esta siguiente fase.

Foto: Ignacio Chinchilla Saramalacara es el proyecto de Sara Azul Froján, compositora, cantante y productora argentina. Es una de las artistas más dinámicas de la escena musical contemporánea, con un universo que combina trap, cloud rap, experimentación hyperpop y una relación performática y conceptual con internet. Ahora suelta su segundo álbum y lo hace con todo el peso: Mataderos , un disco que es quiebre, consolidación y un puto viaje de ida y vuelta entre el under y el mainstream. Grabado en Los Ángeles durante 2025, con producción ejecutiva de Evar y Dayvan, Saramalacara reunió a la crema del cloud rap y el rage actual: Evilgiane y Eera (Surf Gang), F1lthy, Lucian, Lukrative y Ojivolta (los mismos que trabajan con Playboi Carti, Ken Carson, Destroy Lonely, Kanye y FKA Twigs), más Dylan Brady (100 gecs, Skrillex), Casey MQ y Aaron Shadrow. O sea, trajo a los arquitectos del género a su propio terreno. El disco mantiene esa atmósfera etérea y nostálgica que siempre la caracterizó, pero ahora le mete el filo eufórico del rage. Es la tensión perfecta: volver al barrio de Mataderos (donde creció escuchando a esos mismos productores de LA y NY que hoy colaboran con ella) mientras su identidad se expande desde una de las capitales del género. “Me parecía importante irme tan lejos de casa, hacer un disco con una major y aun así ponerle el nombre de mi barrio. Se llama Mataderos porque las letras están muy atravesadas por la nostalgia, por el barrio en el que crecí toda mi vida. Es un lugar que está como en el medio, entre capital y provincia, y siento que mi música también habita ese intermedio, entre lo under y lo mainstream.” — Saramalacara Es un álbum que no se adapta al mundo global, lo opera desde su propia geografía. Cierra un ciclo y abre otro: las raíces bien firme s en el barrio y la mirada puesta en el futuro.